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miércoles, 31 de octubre de 2007

A los maestros, con cariño/VIII



Stanley Kauffman


Stanley Kauffman va rumbo a cumplir 92 años de edad y 50 años de escribir crítica de cine. Yo lo leo desde hace poco tiempo, acaso una década, cuando descubrí sus textos en The New Republic, una revista de la derecha liberal estadounidense. Junto con Andrew Sarris -de casi 80 años y que escribe para The New York Observer- me parece el más lúcido de los críticos de cine norteamericanos. Sarris y Kauffman comparten un estilo similar: una serenidad envidiable, una amabilidad que no está reñida con el rigor, una escritura tersa y elegante. Aquí una muestra de la escritura crítica de Mr. Kauffman sobre una película que nunca se estrenó en México, The Ice Harvest, aunque está disponible en DVD con el nombre de A Sangre Fría:


A painful number of films belong, whatever their subject, in the "Why?" genre. Soon after one of them begins, we begin to wonder why it was made. Why did anyone ever think it had any value, intrinsically or comercially? Many a clunky film lies outside this genre because we can see why someone thought -mistankely- that it had value of some kind. But the "Why?" category is something else. The latest instance is The Ice Harvest.

Reputable people were involved. The co-author of the screenplay, derived from a Scott Phillips novel, was Robert Benton who, from Bonnie and Clyde onward, has been involved in notable pictures. The director was Harold Ramis who made the clever Groundhog Day and the funny Analyze This. The Ice Harvest was apparently meant to be a clever and funny black comedy.

It takes place on Christmas Eve in Wichita, Kansas. A crooked lawyer (John Cusack) steals a couple of million in cash at the start -scanty explanation of how or from whom- but he and his partner (Billy Bob Thornton) cannot drive away with their loot because of an ice storm. Nonetheless, they spend the night driving around Wichita, getting into a lot of tangles, including murder. The whole story smells of feverish manufacture. It includes that boring cliché, the scene in which a couple of men in a nightclub discuss serious business while strippers undulate behind them. It also includes a reminder of the final murder in Prizzi's Honor when a man shoots the woman he is embracing.

Black comedy? Black enough, but they muffed the other word. Robert Benton and Harold Ramis, put on dunce caps and go stand in the corner.


Publicado en The New Republic, el 19 de diciembre de 2005

martes, 30 de octubre de 2007

Cine en televisión para el miércoles 31 de octubre


El Fantasma y la Señora Muir/La Dama y el Fantasma (The Ghost and Mrs. Muir, EU, 1947), de Joseph L. Mankiewicz. La premisa de esta película es conocida, si se llegó a ver la homónima serie de televisión: una viuda aún joven y guapa, la señora Muir (Gene Tierney) renta una vieja casa, supuestamente encantada, a la orilla del mar. La casa, por supuesto, está embrujada, pues ahí vive -o más bien, pena- el capitán Gregg (Rex Harrison, magnífico) quien, según las versiones locales, se suicidó, aunque él jura que murió accidentalmente. Con una bella partitura de Bernard Herrmann, una elegante cámara de Charles Lang Jr. y un par de actores como Tierney y Harrison, en plena forma, no puede haber pierde... y no lo hay. De hecho, es todo un espectáculo atestiguar la química entre Harrison y la Tierney: a cada palabra o maldición del primero, le sigue una aguda y precisa respuesta de la segunda. No se pierda esta original comedia romántica y fantasmal.

Cinecanal Classics; miércoles 31, 16:10 horas.

Ooooootra lista


El exigente Duende Callejero ha escrito una magnífica entrada sobre sus "diez mejores pases". Como hizo una convocatoria abierta a que todos sus lectores participaran, yo hice mi propia lista en su blog. ¿Y ustedes?

Viejas muy listas... Perdón: Listas muy viejas: 1996/III


Sigo con mi ejercició de auto-auscultación arqueológica. He aquí la lista de lo mejor del cine en 1996 (o, en todo caso, lo que más me gustó de lo que vi en 1996).

En orden alfabético, las doce magníficas del 96
(que en realidad son 13, porque Smoking/No Smoking es un díptico):


Balas sobre Nueva York (Bullets over Broadway, EU, 1994), de Woody Allen.


El Bebé de Macon (The Baby of Mâcon, GB, 1993), de Peter Greenaway.


Doce Monos (12 Monkeys, EU, 1995), de Terry Gilliam.


Exótica (Exotica, Canadá, 1994), de Atom Egoyan.


El Infierno (L'EnFer, Francia, 1993), de Claude Chabrol.


La Muerte y la Doncella (Death and the Maiden, EU-GB-Francia, 1994), de Roman Polanski.


Pena de Muerte (Dead Man Walking, EU, 1995), de Tim Robbins.


Los Puentes de Madison (The Bridges of Madison County, EU, 1995), de Clint Eastwood.


Reencuentro con la Vida (Nobody's Fool, EU, 1994), de Robert Benton.


Sensatez y Sentimientos (Sense and Sensibility, EU, 1995), de Ang Lee.


Se7en (Ídem, EU, 1995), de David Fincher.


Smoking/No Smoking (Ídem, Francia, 1993), de Alain Resnais.

De esta lista, no borraría, acaso, más que una o dos, pero no estoy tan seguro de ello.

lunes, 29 de octubre de 2007

Cine en televisión para el martes 30 de octubre


Drácula de Bram Stoker (Bram Stoker's Dracula, EU, 1992), de Francis Ford Coppola. Esta cinta estuvo marcada por varios signos, algunos de ellos encontrados: se trata del tema por excelencia del cine de horror visto desde la óptica de una historia de amor sublime; presume desde el título, desafiante, su fidelidad a la fuente original y, sin embargo, nada más distante de la larga tradición vampiresca fílmica que esta piadosa visión del conde en busca de expiación; y, finalmente, este Drácula rinde homenaje a todas las versiones anteriores y, no obstante, plantea cierta originalidad al convertir al vampiro (Gary Oldman, muy en su papel) en un antihéroe romántico a niveles que ninguna versión lo había propuesto. En cuanto a la forma, la cinta es un espectáculo visual apabullante: ahí están la soberbia cámara de Michaell Ballhaus, el sugerente vestuario de Eiko Ishioka y el diseño de producción de Thomas Sanders. Un agasajo visual de principio a fin y la mejor película de Coppola en dos décadas.

Cinema Golden Choice; martes 30, 22:30 horas.

Sé lo que viste el fin de semana pasado.../V


Cartelera al 26 de octubre de 2007
**1408 (Ídem, EU, 2007), de Mikel Hafström. El segundo largometraje en Hollywood del sueco Hafström es un efectivo filme de horror realizado con un agradecible regusto clásico. John Cusack encarna a un escritor "caza-fantasmas" que se hospeda en una legendaria habitación "maldita" para ver si son ciertas esas paparruchas que él mismo escribe. Basada en un cuento homónimo de Stephen King, contenido en el libro "Todo es Eventual". Reseñada en Reforma.
**Morirse Está en Hebreo (México-EU, 2007), de Alejandro Springall. Otra vez estaré entre la minoría. A varios colegas les pareció muy divetida esta comedia centrada en la ceremonia judía de la "shiva" -los siete días de duelo que deben guardar los deudos de alguien que fallece- pero a mí, en contraste, me pareció un lamentable tropezón del director de Santitos (1998), una de las mejores comedias mexicanas de la década pasada. Reseñada en Cinevertigo.
**El Reino (Kingdom, EU, 2007), de Peter Berg. Transparente cinta de acción, imperial y militarista, realizada impecablemente por el actor secundario vuelto cineasta Berg. Un atentado terrorista en Arabia Saudita hará que cuatro valientes agentes del FBI lleguen a la península arábiga echando bala, sin importarles cosas tan desechables como las leyes internacionales. Se agradece la sinceridad imperialista (es decir, la crudeza) de todo el proyecto. Reseñada en Mural.
**La Cambiadora de Páginas (La Tourneuse de Pages, Francia, 2006), de Denis Dercourt. Una bien hechecita cinta de suspenso en la que una niña pianista crece para buscar vengarse de una famosa concertista que echó a perder su audición cuando ella tenía apenas 12 años. Ya convertida en una atractiva joven (Déborah Francois), la expianista infantil se convertirá en la seria y concentrada cambiadora de páginas de su antigua Némesis... Dercourt, maestro de música y concertista de viola él mismo, logra un sólido "thriller" en puntos suspensivos. Reseñada en Reforma.

domingo, 28 de octubre de 2007

Cine en televisión para el lunes 29 de octubre


Gracias por Fumar (Thank You for Smoking, EU, 2005), de Jason Reitman. He aquí una provocadora comedia liberal/filosófica políticamente incorrecta que nos invita a aceptar lo inaceptable siempre y cuando cada quien haya tomado su decisión en plena autonomía. Nick Naylor (Aaron Eckhart, perfecto) es un genio de la palabra. Es imposible ganarle un debate porque, aunque no tenga razón, siempre tiene razones. Nick trabaja como publirrelacionista de las tabacaleras, y su trabajo es defender a sus autoritarios e inescrupulosos patrones que saben que están vendiendo un veneno legal y no pretenden dejar de hacerlo. La tarea de Nick parece imposible, pero en realidad no lo es. Estamos en Estados Unidos, la tierra de los grandes negocios, del liberalismo y la libertad de elección. ¿Quiere morirse de cáncer fumando? Adelante, ¿qué se cree el Estado para prohibirle eso? Extraordinaria, provocadora, comedia cínica/libertariana.

Movie City; lunes 29, 17:10 (señal este) y 20:10 (señal oeste), tiempo del centro de México.

Cine en televisión para el domingo 28 de octubre


AHÍ ESTÁ EL DETALLE (México, 1940), de Juan Bustillo Oro. Antes de que Mario Moreno, “Cantinflas”, se convirtiera en “Kant-inflas” –es decir, en el insoportable moralista que daba lecciones vestido de cura, patrullero, profesor, embajador…-, el maestro Bustillo Oro dirigió al célebre “peladito” en la que sería, sin duda, la mejor película de Moreno y la más conocida del director de Canaima (1945). El “Cantinflas” original es el bueno-para-nada, el cínico, el baquetón, el desobligado, el irresponsable. Sus duelos verbales con Joaquín Pardave, perfecta encarnación de la moralidad pequeño-burguesa clasemediera, representa uno de los más grandes momentos cómicos del cine mexicano. Por desgracia, nunca más rozaría “Cantinflas” ese nivel –acaso solamente en algunas escenas aisladas en El Gendarme Desconocido (Delgado, 1941) y Un Día con el Diablo (Delgado, 1945). En cuanto a Bustillo Oro, ya había dirigido otra comedia verborreica maravillosa: La Tía de las Muchachas (1938).


De Película; domingo 28, 15:15 horas, tiempo del centro de México.

sábado, 27 de octubre de 2007

El cliché que yo ya vi/V




La Regla Hackman-Caine: Cualquier día de la semana, a cualquier hora del día o de la noche, es posible encontrar en la televisión abierta o por cable una película en donde actúen Michael Caine o Gene Hackman.

Regla cinefílica propuesta por Roger Ebert en su libro Ebert's Little Movie Glossary.

Cine en televisión para el sábado 27 de octubre


EL PLAN PERFECTO (Inside Man, EU, 2006), de Spike Lee. Filme insólitamente convencional del eterno rebelde Spike Lee. Estamos ante una espléndida heist-movie –película de asalto, pues- con un reparto de tal magnitud –¡Denzel Washington, Clive Owen, Jodie Foster y Christopher Plummer juntos!- que Willem Dafoe aparece en un papel apenas de soporte. La trama es perfecta: es lo suficientemente ridícula como para no ser tomada muy en serio y lo adecuadamente brillante como para no ofender nuestra inteligencia. De hecho, por el absurdo McGuffin que le da sentido al robo, por las innumerables vueltas de tuerca del guión y por el persistente buen humor, esta cinta me recordó algunas de las películas de espionaje del primer Hitchcock: obras entretenidas, sin demasiadas pretensiones, bien actuadas, mejor ejecutadas y más interesantes de lo que podrían parecer a simple vista. Definición exacta para El Plan Perfecto.


Movie City; sábado 27, 20 horas (señal este) y 22 horas (señal oeste), tiempo del centro de México.

viernes, 26 de octubre de 2007

Cine en televisión para el viernes 26 de octubre


Laberinto de Mentiras (Separate Lies, Gran Bretaña, 2005), de Julian Fellowes. La placidez de la bella campiña inglesa se desvanece cuando el serio y profesional abogado James Manning (Tom Wilkinson) sospecha que el esposo de su criada fue atropellado por el cínico vecino Bill (Rupert Everett), quien no niega el accidente, pero tampoco está dispuesto a entregarse. Manning trata de persuadirlo, lo que llevará a que el sobrio abogado perfeccionista se sumerja en un laberinto de mentiras en el cual está atrapada, también, su joven esposa (Emily Watson). El tino de Fellowes es haber hecho un perfecto "casting", haber elegido como su fotógrafo al especialista en dramas burgueses y bellos paisajes campiranos Tony Pierce-Roberts y, por supuesto, haber escrito un guión impredecible, pues a medida que avanza la historia, uno nunca sabe cómo van a reaccionar los personajes ni qué decisiones van a tomar. Un espléndido melodrama que no mereció la atención debida en México en el momento de su estreno.

Cinecanal; viernes 26, medianoche, tiempo del centro de México.

jueves, 25 de octubre de 2007

A los maestros con cariño.../VII


Por Xavier Villaurrutia:


EL PERRO ANDALUZ


Una vez más se organiza en México un Cine-Club que se propone presentar films que no se tienen -por ahora- aceptación en los salones donde se exhiben únicamente films comerciales. El primer programa del 16 M. M. Cinema tuvo en El Perro Andaluz su número fuerza, su platillo de vitriolo.

La obra de Luis Buñuel y Salvador Dalí tiene como virtud esencial producir el desconcierto de los espectadores que inúltimente se fatigan buscando en el film sobrerrealista símobolos y un sentido oculto. El Perro Andaluz debe verse como lo que es: una serie de imágenes cargadas de erotismo y de crueldad, inusitadas siempre, dentro de una atmósfera densa de angustia. El espectador queda a merced del poder activo de la imagen que no le deja un punto de reposo. La sensualidad de este film es algo vivo y lúgubre al mismo tiempo. El ojo cortado por un navajazo y las hormigas en la mano son, entre otras muchas, verdaderas metáforas realizadas. Publicado en Hoy, no. 66, 28 de mayo de 1938, p. 65.


EL JOROBADO


La obra de Paul Feval tiene mala suerte en lo que toca a las adaptaciones cinematográficas. Recordamos una adaptación francesa, poco afortunada. La novela, como es sabido, es una obra ligera, truculenta, de aventuras, de adulterios, desafíos y lances de amor y de intriga. Pertenece a la categoría de obras que hay que leer cuando se tiene quince años, nunca después.

Tanto la adaptación francesa como a la reciente mexicana, dirigida por el señor Jaime Salvador, le falta ligereza, ritmo, dinamismo. La mexicana es adaptación lenta y poco maliciosa del asunto. No hay en ella la sorpresa necesaria en lo que se refiere a la dobre interpretación de Lagardere. Se sabe, desde el principio, que el deforme Esopo y el Caballero Lagardere son la misma persona. Y no sólo el público sino el mismo De Gonzaga, el rival de Lagardere, como lo presentan en la acción, no puede menos de saberlo, o es más tonto de lo que toda la previsión hace posible...

La mejor interpretación de la obra es, sin duda, la de Andrés Soler. Ernesto Alonso despeja la suya con acierto. No creemos que el del jorobado sea uno de los personajes que añadan algo valioso a la carrera cinematográfica del cantante y actor Jorge Negrete. Publicado en Así, no. 131, 15 de mayo de 1943, p. 56.

Cine en televisión para el jueves 25 de octubre




PSICOSIS (EU, 1998), de Gus Van Sant. En uno de los más memorables cuentos de Jorge Luis Borges llamado "Pierre Menard, autor de El Quijote", el escritor argentino juega con la posibilidad de que alguien pudiera volver a escribir la monumental obra de Cervantes en nuestros días. Es decir, en el cuento mencionado, un tal Pierre Menard reescribe palabra por palabra el texto de Cervantes; Borges, entonces, se da a la tarea de explicar la diferencia entre las dos novelas (la de Cervantes, la de Menard) que son exactamente idénticas.


Gus Van Sant hizo con la Psicosis original de 1960 casi lo mismo que Pierre Menard con "El Quijote": filmó el clásico hitchcockiano -una de las peliculas más influyentes en toda la historia del cine- usando la misma secuencia de créditos -de Saul Bass-, la misma música -los legendarios violines chirriantes de Bernard Herrmann-, el mismo guión -de Joseph Stefano-, casi los mismos diálogos y hasta con practicamente la misma duración -la de Hitchcock tiene 109 minutos; el remake, 104.


Dicho lo anterior la primera pregunta -y la más importante- aflora de inmediato: ¿para qué hacer un remake asi? Permítaseme ponerme del lado de Van Sant: ¿y por qué no? Después de todo, Hollywood acostumbra hacer remakes para "modernizar" la temética original -como en el Caracortada (1983) de De Palma- o para presumir una tecnología más avanzada -como en el lamentable King Kong (1976) de Guillermin. Van Sant, en contraste, hizo una película que se parece tanto visualmente a su fuente de inspiración que, en ciertos momentos, parece haberse copiado la cinta de Hitchcock cuadro por cuadro.


Es decir, Van Sant resultó -propongo provocadoramente- más original que todos los hacedores de remakes al tomar una posición de profundo respeto por la obra original. En lugar de re-elaborar el tema, de filmar una version más violenta o de agregar o quitar personajes, el cineasta ha decidido hacer un autentico homenaje a la obra de Hitchcock. De hecho, el mismo Van Sant ha sugerido que su Psicosis es el equivalente a un "cover" musical de la cinta de 1960.


Pero todo "cover" tiene que ser, por más parecido que sea a la cancion original, algo diferente. Y la Psicosis del 98 es, efectivamente, distinta a la clásica. Además de la diferencia natural en el impacto (el filme de Hitchcock fue uno de los acontecimientos más importantes en la historia del cine) y en el uso del color (la Psicosis original fue filmada en blanco y negro), Van Sant deslizó algunos pequeños detalles que marcan sus diferencias: la atracción de Norman Bates (Vince Vaughn) hacia Marion Crane (Anne Heche) se hace más explicita; el personaje de Marion es más abierto y menos distante que el original; Lila Crane (Julianne Moore) es mucho más agresiva (de hecho, hasta participa en la neutralizacion de la "Madre" en el desenlace del filme); y se permite muy pocas herejías visuales: el trasero de Viggo Mortensen, los "inserts" (¿flash-backs?, ¿alucinaciones?) de las víctimas de la "Madre" cuando aquéllas son asesinadas, o la secuencia inicial, cuando la camara recorre desde las alturas la ciudad de Phoenix para introducirse en el cuarto de hotel donde estan Marion y Sam Loomis (Mortensen) --secuencia que, por cierto, sí estaba en el guión original de Hitchcock sólo que éste no la usó porque no existía la tecnología adecuada para hacerla como Hitch quería.


Acaso la distancia más notable entre el clásico y la cinta del 98 radica en el Norman Bates de Anthony Perkins comparándolo con el de Vince Vaughn. Mientras el primero parecía realmente un émulo de las aves de rapiña que él mismo disecaba, el segundo es más un muchacho común, agradable y atractivo, aunque con una mirada sombría y unas ojeras que denotan desvelo, obsesión, enfermedad.


Van Sant realizó hace una década, pues, una auténtica pieza de arte conceptual aplicada al cine. Es obvio que no quiso superar al maestro; tampoco enmendarle la plana. Quiso, simple y llanamante, homenajearlo. Sin duda, lo logró: en la Psicosis del 98 quien sigue brillando es Hitchcock.



Cinecanal; jueves 25, medianoche, tiempo del centro de México.

miércoles, 24 de octubre de 2007

Viejas muy listas... Perdón: Listas muy viejas: 1995/II


Otra vez hurgando en mis viejas listas encontré "las doce magníficas" estrenada en México en 1995. O, en todo caso, vistas por mí en 1995, pues aquí aparecen La Bella Latosa y Europa, de 1991. ¿Cuántas de estas borraría el día de hoy? No muchas, la verdad.



En orden alfabético:

-El Apoderado de Hudsucker (EU, 1994), de Joel Coen.
-La Bella Latosa (Francia, 1991), de Jacques Rivette.
-Europa (Dinamarca, 1991), de Lars von Trier.
-Frankenstein de Mary Shelley (1994), de Kenneth Brannagh.
-Léolo (Canadá, 1992), de Jean-Claude Leuzon.
-El Marido de la Peluquera (Francia, 1992), de Patrice Leconte.
-Tango: la Maté porque la Quería (Francia, 1993), de Patrice Leconte.
-Tiempos Violentos (EU, 1994), de Quentin Tarantino.
-Tres Colores: Azul (Francia, 1993), de K. Kieslowski.
-Tres Colores: Blanco (Francia, 1994), de K. Kieslowski.
-Tres Colores: Rojo (Francia-Suiza-Polonia, 1994), de K. Kieslowski.
-Tumba al Ras de la Tierra (GB, 1994), de Danny Boyle.

Confesiones Verdaderas/II


Yo tenía nueve años y se acercaba Navidad, fiesta en la que los niños de mi familia recibíamos regalos de una anciana amiga de la casa. Los regalos llegaron dos días antes de Nochebuena. Descubrí inmediatamente que uno de ellos contenía un proyector de cine y casi me desmayé de alegría. Sin embargo, en el momento del reparto de juguetes, el proyector fue para mi hermano de trece años. Pero éste, que nunca había mostrado el menor interés por la cinematografía, aprovechó la ocasión para venderme el proyector por doscientos soldados de plomo. Dos días más tarde me declaró la guerra, invadió mi país y derrotó a las escasas pero valerosas tropas que me quedaban. Escapé a un oscuro trastero, donde me refugié con mi nuevo juguete. Se llama cinematógrafo.
Era una máquina sencilla, pero más peligrosa que una bomba. Tenía dos bobinas para sesenta metros de película de 35 milimetros, un mecanismo de alimentación, un sector y una buena lente montada en reluciente latón. En el interior de una caja de lata laqueada de negro iban una lámpara de nafta y un espejo reflector. Otra caja azul contenía cuatro metros de película eterna que, como todos los filmes de la época, estaba fabricada a base de nitrato y resultaba pavorosamente inflamable. Una película de nitrato, una lámpara de nafta y un proyeccionista de nueve años en un cuarto oscuro y polvoriento. Ninguna persona mayor advirtió el peligro de mezcla tan explosiva. Durante varios años fui gastando en películas todo mi dinero. Creo que en aquel trastero almacené varios kilómetros de cinta.
A veces me he sentido asombrado al recordar la exaltada e inexplicable emoción del niño que yo era. Si pasaba los fotogramas uno a uno, apenas ocurría nada. Pero si movía la manivela con rapidez, nacía el movimiento: las sombras comenzaban a actuar, las caras se volvían hacia mí, los ojos se abrían y las bocas formaban palabras inaudibles. Recuerdo aquellas imágenes con una claridad y un enfoque que, seguramente, nunca existieron en la realidad.
Ya era dueño de un rectángulo de luz, del incesante movimiento de las sombras y de unas misteriosas relaciones que se adentraban en el mundo de los sueños: el niño de nueve años había tocado la mano de un gigante. Hoy, más de medio siglo después y en la oscuridad de la sala de montaje, aún continúo sintiendo la misma emoción.
Ingmar Bergman
(1918-2007)

Cine en televisión para el miércoles 24 de octubre


Hable con Ella (España-Francia, 2002), de Pedro Almodóvar. Enmarcado al inicio y al final con bellas coreografías de Pina Bausch y con una minimalista interpretación en cuerdas de "Cucurrucucú Paloma" por parte de Caetano Veloso en el centro de la narrativa, el décimocuarto largometraje del eterno enfant-terrible Pedro Almodóvar, se muestra como una de las cintas más perfectas y maduras del cineasta manchego.
Por vez primera en una filmografía que no pasa de la quincena de cintas, los personajes principales de esta cinta almodovariana son hombres y no mujeres. De cualquier forma, son dos hombres cuya vida (y la muerte de uno de ellos) sería inexplicable sin las mujeres que aman o han dejado de amar. Benigno (Javier Cámara) es un enfermero homosexual que vive y se desvive por atender a la bella comatosa Alicia (Leonor Watling), de quien estuvo obsesionado durante mucho tiempo, antes de que la muchacha quedara bajo su cuidado en cierto exclusivo hospital llamado El Bosque. Por su parte, Marco (magnífico Darío Grandinetti) es incapaz ni siquiera de tocar a su novia Lydia (Rosario Flores, de extraño atractivo), una torera que ha caído en coma después de la brutal embestida de un toro. Entre Benigno y Marco, ambos adoradores de esas dos mujeres, nacerá una entrañable amistad. Una obra maestra.

Cinema Golden Choice, miércoles 24, 23 horas, tiempo del centro de México.

martes, 23 de octubre de 2007

El cliché que yo ya vi.../IV


Un par de reglas, más que clichés, propuestos por Joel Meza:


1) Regla Demi Moore: en la medida que Demi Moore se ha puesto cada vez más buena, la calidad de las películas en las que aparece va decayendo proporcionalmente.


2) Reglas de los comediantes mexicanos envejecidos: cada año que pasa, todo comediante mexicano que se respete va perdiendo su gracia, hasta terminar en los lamentables casos de los decadentes, patéticos (y nunca chistosos) Cantinflas, Tin-Tan, Capulina... (lo que me lleva a pensar -esto es agregado mío, no de Joel-: ¿qué pasará con Adal Ramones que ni de joven fue muy graciosos que digamos?: ¡horror!).

lunes, 22 de octubre de 2007

Cine en televisión para el martes 23 de octubre


Diez Horas de Terror/Una Mujer Atrapada (Lady in a Cage, EU, 1964), de Walter Grauman. Acaso la mejor cinta del competente artesano Grauman, más conocido por ser el realizador de la legendaria teleserie Los Intocables. Un insólito thriller en donde una elegante mujer inválida (Olivia de Havilland, nada menos) se queda atrapada en un ascensor dentro de su casa, mientras un grupo de delincuentes invade el hogar de la señora quien, detrás de su dulce sonrisa esconde una siniestra personalidad. El filme muestra su más descarnado pesimismo en esa repelente "monstruoteca" que conforman los personajes.

Cinecanal Classics, martes 23, 18:20 horas, tiempo del centro de México.

Sé lo que viste el fin de semana pasado.../IV


Michael Clayton (Ídem, EU, 2007), de Tony Gilroy. El guionista de la trilogía Bourne debuta como cineasta en este espléndido "thriller" legal que tiene ecos claramente lumietianos provenientes de ese par de obras maestras que son Network, Poder que Mata (Lumeti, 1976) y Será Justicia (1982). Por lo que a mí respecta, bienvenido este tipo de convencionalismos: se trata de la opera prima de Gilroy, está elegantamente realizada y tiene un trío de virtuosas interpretaciones por parte George Clooney, Tom Wilkinson y Tilda Swinton. Reseñada en Mural.


3:10 Misión Peligrosa (3:10 to Yuma, EU, 2007), de James Mangold. Un remake que, si no supera al original -me refiero al clásico de Delmer Daves El Tren de las 3:10 a Yuma (1957)- sí se sostiene, orgullosamente, por sí mismo. Fuera de un par de escenas literalmente explosivas que están fuera de tono, este amargo western revisionista muestra como auténtico villano al naciente sistema socioeconómico estadounidense y no tanto al carismático matón encarnado por un perfecto Russell Crowe. Acaso el mejor filme del oeste desde Los Imperdonables (Eastwood, 1992). Reseñada en Reforma.


María Magdalena, el Evangelio Prohibido (Mary, Italia-Francia-EU, 2005), de Abel Ferrara. Un infiel conductor televisivo (Forest Whitaker) hace una serie de programas sobre el Jesús histórico y así entra en contacto con un higadesco cineasta (Matthew Modine) que acaba de dirigir un filme sobre Cristo y su relación con María Magdalena (Juliette Binoche), una famosa actriz que, imbuida por su papel, ha dejado el cine y vive ahora en Jerusalén, buscándose a sí misma. En el papel, la película parece audaz, intrigante; en pantalla, es una pretenciosa e incoherente plasta. Lo único interesante es la presencia de un puñados de auténticos historiadores y teólogos que discuten con Whitaker varios temas relacionados con la divinidad (o no) de Jesús. Reseñada en Reforma.


Hot Fuzz: Superpolicías (Hot Fuzz, GB-Francia, 2007), de Edgar Wright. El equipo formado por el cineasta/guionista Wright, el guionista/actor Simon Pegg y el comediante Nick Frost nos entregan su segundo filme paródico, después de la criminalmente ninguneada en México El Desesperar de los Muertos (2004), nunca estrenada comercialmente. Esta vez el blanco de la parodia no es el cine de zombies sino las cintas de acción policial hollywoodense. El resultado no es del mismo nivel que El Desesperar..., pero aun así estamos años luz de la mayoría de las comedias que nos mandan desde el país del norte. Además, ese reparto, ese reparto... Reseñada en Cinevertigo.com

Cine en televisión para el lunes 22 de octubre


El Quinto Elemento (Le Cinquième Elémént, Francia, 1997), de Luc Besson. El séptimo largometraje –y mejor hasta el momento- de Luc Besson es básicamente una película tonta e infantil, una cinta pueril y poco original que, de cualquier manera y sin contradicción alguna, es de lo más entretenido del cine de fines de los 90. Eso sí, siempre y cuando uno sintonice de inmediato en el elemental nivel del filme. El Quinto Elemento fue –y es- una suerte de cinta-summa de toda la obra de Besson en su estilo visual/narrativo (la película no es otra cosa que una suerte de videoclip alargado como buena parte de su filmografía, desde Subway/1985 hasta El Perfecto Asesino/1994, pasando por Azul Profundo/1988 y Nikita/1990), con abundante violencia gratuita y coreográfica (como en Nikita o El Perfecto Asesino) y con la clásica heroína bessoniana: frágil, delicada y, a la vez, una perfecta máquina de destrucción; Milla Jovovich.

Cinema Golden Choice 2; lunes 22, 20 horas, tiempo del centro de México.

domingo, 21 de octubre de 2007

Cine en televisión para el domingo 21 de octubre


Ed Wood (Idem, EU, 1995), de Tim Burton. Considerado por críticos e historiadores como "el peor cineasta del mundo" -una injusticia, pues en México siempre hemos tenido (¡y tenemos!) sólidos competidores que pueden disputar esa distinción- Ed Wood mereció esta insólita "biopic" dirigida por el más imaginativo director hollywoodense de su generación, Tim Burton. Una suerte de autobiografía emocional del propio Tim Burton -al estilo del autorretrato de Coppola en Tucker, el Hombre y su Sueño (1988)-, Ed Wood es la crónica de un torpísimo creador que nunca deja de ser, a su manera, un auténtico "outsider", un verdadero rebelde, un director marginal que, a pesar de todos los obstáculos, logra cumplir todos sus sueños. Johnny Depp logró, en su encarnación de Wood, uno de sus trabajos más notables.

Cinemax oeste, domingo 21, 22 horas, tiempo del centro de México.

sábado, 20 de octubre de 2007

A los maestros con cariño/VI


**Los Tales por Cuales (1964), de Gilberto Martínez Solares. Al convertirse en su propio argumentista, el Piporro entona un himno a su mayor gloria y está a punto de realizar un film cómico cercano a la inteligencia. Lástima que la parodia de las comedias de cantina, los juegos de palabra y la oposición de dos bravucones independientes, a la I. Rodríguez, nunca llegan a superar por completo las concesiones a la facilidad populachera. 2 de mayo de 1965.

**Buenas Noches, Año Nuevo (1964), de Julián Soler. En nuestro recuento de las peores películas mexicanas estrenadas durante el año pasado, omitimos delictuosamente este bodrio gelatinoso. Reparamos tardíamente esta injusticia haciendo hincapié en las ridículas ambiciones de comedia musical a la norteamericana que posee Buenas Noches, Año Nuevo. 10 de enero de 1965.

**Marcelo y María (1964), de Gilberto Martínez Solares. Se trata nada menos que de la adaptación libérrima de una de las obras maestras de la literatura erótica. En vista de los resultados, rosas y enfáticos hasta lo viscoso, consideramos que no hay nada más deprimente que un viejo director mexicano en plan de culto y exquisito. Noviembre de 1966.

**Cada Voz Lleva su Angustia (1964), de Julio Bracho. El caótico y amargo novelón de un sub-Rulfo sudamericano ofrece a los técnicos mexicanos la oportunidad de compartir el dramatismo enfático, la tierra seca, los personajes erosionados en vías de descomposición y el seudotema social. 6 de marzo de 1966.

**El Dengue del Amor (1965), de Roberto Rodríguez. La infalible vulgaridad aposentada en el cine mexicano domina por ejemplo lo que hubiera podido ser una aceptable aproximación de comedia musical. Buenos cómicos (Lechuga, Pompín), presencias femeninas agradables (Julissa) y la personalidad de Pérez Prado merecían participar en una película menos ramplona e inepta. 24 de octubre de 1965.

Mini-reseñas publicadas por un Jorge Ayala Blanco de 22-23 años en el suplemento México en la Cultura de Novedades.

Cine en Televisión para el sábado 20 de octubre


¡Qué Bella es la Vida!/Qué Bello es Vivir (It's a Wonderful Life, EU, 1946), de Frank Capra. No es Nochebuena, pero cualquier día sirve para volver a ver, por enésima ocasión, la película más conocida y más lograda de Frank Capra. Y a todo esto, ¿se deja ver aún esta cinta en nuestros cínicos y desencatados tiempos?: claro que sí. Es más: me animaría a afirmar que ahora es más necesaria que nunca. El filme no es sólo una irresistible oda a los buenos sentimientos, sino un mordaz retrato de los pequeños pueblos estadounidenses y una impresionante pesadilla existencial que no se detiene al mostrar las trágicas aristas que pueden acechar detrás del famoso "american dream". Una de mis películas favoritas de todos los tiempos. Y, sí, todavía se me hace un nudo en la garganta en el final. Shame-on-me.


Cinecanal Classics, sábado 20 de octubre, 17:45 horas, tiempo del centro de México.

viernes, 19 de octubre de 2007

Confesiones Verdaderas/I

Gary Cooper y Burt Lancaster en Vera Cruz (Aldrich, 1954)

Recuerdo cuando intentaba imitar la sonrisa de Burt Lancaster después de haberle visto con Gary Cooper en Vera Cruz. Durante muchos días estuve practicando en el patio de atrás. Serpenteando por entre las tomateras. Riendo con todos los dientes al desnudo. Riéndome de esa risa. Alzando el labio superior para descubrir los dientes. Después de practicar esa sonrisa durante unos cuantos días intenté utilizarla ante las chicas de la escuela. Ellas no parecían ni enterarse. Forcé mi interpretación hasta que empezaron a producirse extrañas reacciones entre mis compañeros. Miraban fijamente mis dientes, y asomaba a sus ojos una expresión asustada. Yo no me acordaba de lo feos que eran mis dientes. De que uno de ellos lo tenía podrido, de color pardo y montado encima del diente roto que estaba a su lado. De hecho, había llegado a estar convencido de que era poseedor de una hilera de perfectos y perlados dientes como los de Burt Lancaster. Como no quería asustar a nadie, dejé de reír en cuanto me di cuenta de lo que pasaba. Sólo lo hacía cuando estaba solo. Poco después dejé de hacerlo incluso a solas. Volví a mi cara vacia.

Sam Shepard, actor de cine y de teatro, guionista y dramaturgo, autor de cuentos, ganador del Pulitzer, compositor y amasio de Jessica Lange...

Cine en televisión para el viernes 19 de octubre


AGUA (Water, Canadá-India, 2005), de Deepa Mehta. Sobre un guión escrito por la propia cineasta Deepa Mehta, Agua es un soberbio melodrama femenino/feminista que denuncia el maltrato milenario a las viudas hindúes por parte de la sociedad india, que podrá haberse liberado del colonialismo inglés, pero no de un machista/tradicionalista sistema sociocultural en el que las mujeres en general –y las viudas en lo particular- son seres humanos de segunda. La película está narrada desde la perspectiva de una pequeña viuda de 8 años, Chuyia (la debutante niña actriz Sarala), quien es dejada en el “hogar de las viudas” por su propio padre. Mehta no huye, por cierto, de los convencionalismos genéricos del cine indio conocido en occidente –su atractiva música, sus apabullantes colores, su planteamiento melodramático-, sino que la cineasta los usa para darle mucha mayor fuerza a una denuncia social que aun hoy sigue siendo válida.

Movie City; viernes 19, 17:55 (señal este) y 19:55 horas (señal oeste), tiempo del centro de México.

jueves, 18 de octubre de 2007

El cliché que yo ya vi/IV


La toma del cantinero. En las películas, pareciera que los cantineros no tienen otro negocio que estar limpiando el interior de los vasos con un trapo. (Y si se trata de una película mexicana con Pedro Infante, el cantinero tiene que ser, forzosamente, gordo).
Cliché "descubierto" por David W. Smith de Westminister, California, y recogido por Roger Ebert en su libro Ebert's Little Movie Glosary. (Por supuesto, el agregado acerca del cantinero gordo no es del señor Smith sino de un servidor).

Cine en televisión para el jueves 18 de octubre


EL SOL DE CADA MAÑANA (The Weather Man, EU, 2005), de Gore Verbinski. He aquí el deprimente acercamiento a la vida de un meteorólogo de Chicago que, si exceptuamos su exitoso trabajo televisivo, todo lo que hace o dice no hace más que hundirlo más en el fracaso. Robert (Nicolas Cage) está divorciado y no puede hablar un minuto con su exesposa (Hope Davis) sin gritar la palabra “fuck”, tiene una hija adolescente obesa (Gemmenne de la Pena) que fuma a escondidas, otro hijo (Nicholas Hoult) en rehabilitación y un respetado papá (Michael Caine) que, además de ser un famoso escritor, siempre le está repitiendo que madure, que crezca, que haga algo con su vida. Sólo cuando Robert se reconcilie con su propia mediocridad, podrá empezar a respirar libremente. Acaso por este sofocante discurso existencial esta cinta fue olímpicamente ninguneada en el país del norte: ni una sola nominación a nada obtuvo.

Movie City; jueves 18, 21:40 (señal este) y 23:40 horas (señal oeste), tiempo del centro de México.

miércoles, 17 de octubre de 2007

Viejas muy listas... Perdón: Listas muy viejas: 1994/I


Revisando en mis archivos, me encontré con esta lista: las doce magníficas estrenadas comercialmente en México en 1994. A 13 años de distancia, ¿volvería a enlistar las mismas películas? Creo que no: a bote pronto, creo que borraría la mitad de ellas. Y a todo esto, ¿por qué tengo dos cintas de Neil Jordan, Juego de Lágrimas y Entrevista con el Vampiro, como estrenadas el mismo año? Lo que puedo suponer es que fue hasta 1994 cuando vi Juego de Lágrimas, que se debió haber exhibido en México en 1993.


Lo mejor del cine en México en 1994

(en orden alfabético):


Asesinos por Naturaleza (Natural Born Killers, EU, 1994), de Oliver Stone.

Belle Epoque (España-Portugal-Francia, 1992), de Fernando Trueba.

La Edad de la Inocencia (Age of Innocence, EU, 1993), de Martín Scorsese.

En el Nombre del Padre (In the Name of the Fater, GB, 1993), de Jim Sheridan.

Entrevista con el Vampiro. Cuentos de vampiros (Interview with the Vampire, EU, 1994) de Neil Jordan.

El Jardín Secreto (The Secret Garden, EU, 1993), de Agniezka Holland.

Juego de Lágrimas (The Crying Game, GB, 1992) de Neil Jordan.

Lo que Queda del Día (The Remains of the Day, GB-EU, 1993), de James Ivory.

Un Mundo Perfecto (A Perfect World, EU, 1933), de Clint Eastwood.

Obsesión (Damage, GB-Francia, 1992), de Louis Malle.

El piano (The Piano, Australia, 1993), de Jane Campion.

Tanto para Nada (Much ado About Nothing, GB, 1993), de Kenneth Brannagh.

A los maestros, con cariño/V


De Caligari a Hitler:


una historia psicológica del cine alemán




*Siegfried Kracauer




De los dos tipos de películas en boga inmediatamente después de la guerra, el primero estaba amasado con materias vinculadas a la vida sexual, con innegable tendencia hacia lo pornográfico...


Las películas sexuales daban testimonio de las urgencias primitivas que se despertaron en todos los países beligerantes después de la guerra... Eran sólo películas vulgares que vendían sexo y evasión... Los excesos son, frecuentemente, un intento inconciente de ahogar la conciencia de frustraciones íntimas y profundas. Este mecanismo psicológico parece haberse impuesto a muchos alemanes. Era como si se sintieran paralizados ante la libertad que se les ofrecía y se acogieran instintivamente a los placeres sin problemas de la carne. Los filmes sexuales estaban rodeados de una aureola de tristeza.


Junto al eco favorable que tenían estos filmes se alzó, como es de suponer, una rígida oposicion... En Dresden se hicieron manifestaciones contra el film Fräulein Mutter (Madre Soltera), mientras que en Leipzig,los boy-scouts (Wandergovel) redactaron un manifiesto que censuraba a la escoria cinematográfica presente entre el ambiente de actores y propietarios de salas.


¿Eran estas cruzadas el resultado de la austeridad revolucionaria? El hecho de que la juventud que había hecho manifestaciones en Dresden distribuyera folletos antisemitas revela que esa campaña local era una maniobra reaccionaria calculada para distraer los resentimientos de la sufrida pequeña burguesía contra la vieja clase dominante...


En mayo de 1920, la Asamblea Nacional rechazó varias mociones a favor de la socialización y, simultáneamente, sancionó una ley que regulaba todas las materias cinematográficas del Reich. Se reinició la nefasta censura nacional.




El otro tipo de películas en boga tras la guerra fue el espectáculo histórico. Mientras las películas sexuales colmaban los estratos inferiores del mundo cinematográfico, las de historia se afianzaron pronto en los niveles altos, reservados al arte...


Mientras la guerra se aproximaba lentamente a su fin, Lubitsch dirigió a Pola Negri en dos películas, Die Mumie Ma y Carmen...


El eco que tuvo Carmen fue suficientemente promisorio para alentar una producción posterior de dramas espectaculares...


Sumurun (1920), versión cinematográfica de la pantomima teatral Sumurun de Reinhardt, con Pola Negri de protagonista, prefirió los ambientes fantásticos de Oriente al reino de la historia, haciendo de un jeque ansioso de aventuras sexuales la contrapartida cómica de Amenes y Enrique VIII... Cargada de besos y cadáveres, esta fantasía espectacular pretendía una especie de superioridad sobre su tema, satirizándolo agradablemente...


La recepción internacional dada a cualquier realización depende de su capacidad para desatar, en todas partes, fértiles incomprensiones. Las películas de Lubitsch -las primeras producciones alemanas de posguerra que conocerían en el extranjero- poseían esta condición... Lubitsch fue llamado "el gran humanizador de la historia" y "el Griffith de Europa"...


Todos esos espectáculos históricos alemanes que los norteamericanos confundieron con expresiones del "realismo histórico" saboteaban instintivamente toda inteligencia de los procesos históricos, todo intento de analizar modelos de conducta en el pasado...


Su origen era un enfoque nihilista del mundo, como puede inferirse de la firme determinación con que las películas de Lubitsch y sus semejantes no sólo mataban a gobernantes insaciables, sino destruían también a los jóvenes amantes, representativos de todo lo que cuenta en la vida. Caracterizaron la historia como si ésta careciera de significado. Parecían proponer que la historia es un campo reservado para instintos ciegos y feroces, producto de maquinaciones diabólicas que frustran para siempre nuestras esperanzas de felicidad y libertad.


Este evangelio nihilista concebido para el consumo de las masas debe haber satisfecho necesidades muy generalizadas... conscientemente o no, la mayoría del pueblo vivía con temor a los cambios sociales y, por lo tanto, recibió auspiciosamente las películas que no sólo atacaban a los malos gobernantes sino también a las buenas causas revolucionarias...


Lo que más fascinaba al público era "el indiscutible talento de Lubitsch para manejar masas"... Lubitsch supo cómo manejar esas muchedumbres y también demostró auténtica originalidad para captar un hecho familiar a los alemanes de posguerra: el contraste entre el individuo en la multitud y la multitud misma considerada como una entidad...




*Fragmentos de "La Conmoción de la Libertad", cuarto capítulo del libro De Caligari a Hitler, de Siegfried Kracauer, el mejor ensayo fílmico -junto con La Aventura del Cine Mexicano, de Jorge Ayala Blanco- que he leído -y vuelto a leer. El libro de Kracauer está disponible en español en Ediciones Paidós.


martes, 16 de octubre de 2007

Cine en Televisión para el miércoles 17 de octubre


Antes que Anochezca (Before the Night Falls, EU, 2000) de Julian Schnabel. Basada en la febril y apasionante autobiografía del escritor cubano homosexual Reinaldo Arenas (Javier Bárdem), la película inicia con la empobrecida infancia de Arenas vivida bajo el criminal régimen de Batista, sugiere el momento en el que él descubre su homosexualidad, relata su inicial simpatía por los rebeldes cubanos, muestra sus contactos con la intelectualidad "incómoda" de la época (Piñeira, Lezama Lima), hace la delirante crónica de su caída en desgracia frente al régimen por los delitos de ser gay fuera del "clóset" e intelectual independiente, cuenta con pelos y señales la manera en la que pudo salir de la isla en 1980 y, finalmente, atestigua su dolorosa supervivencia neoyorkina hasta que fallece de SIDA.
Lo más notable de todo es que la película no es un vulgar panfleto anticastrista (¿para qué?: es hacerle un favor a la dictadura más longeva del orbe) ni tampoco la típica biografía laudatoria del artista genial e incomprendido. Arenas le importa a Schnabel por su valentía, por su talento, por sus contradicciones, por sus locuras. En pocas palabras: por su condición de complejo y fascinante ser humano, no tanto por su condición de gay militante o de artista "genial".

Cinema Golden Choice, miércoles 17, 23:30 horas, tiempo del centro de México.

¿Tú le crees a los cineastas? ¡Yo tampoco!/I

Griffith (al centro) dirigiendo



En la más reciente entrada de su blog, el crítico e historiador cinematográfico David Bordwell entrega una interesante reflexión sobre cómo algunos cineastas han sido capaces, desde los albores de la industria, de construirse su propia reputación ante la crítica. No voy a hacer el recuento de todo lo que comenta Bordwell (mejor lea la entrada usted mismo), pero hay algunos datos más que llamativos: cómo el mismísimo Griffith se apropió de algunos avances en el lenguaje fílmico -se dice que él fue el primero que uso el "close-up", el que creó la narrativa fílmica paralela, etcétera- que, en realidad, fueron desarrollados simultáneamente en la industria cinematográfica hollywoodense y europea por cineastas contemporáneos de Griffith. No hay duda, eso sí, que él fue el primero que le dio un uso pertinente a la naciente gramática fílmica, pero no es tan claro que haya inventado, por ejemplo, el primer plano como encuadre. Griffith, que era un águila en eso de los negocios, construyó su reputación a través del material publicitario que su propia compañía distribuía a los periodistas y críticos de la época, que aceptaron sin chistar lo que el maestro decía de sí mismo.
Algo similiar sucede, dice Bordwell, con las aportaciones fotográficas de Gregg Toland en El Ciudadano Kane (Welles, 1940). Toland, en una larga serie de entrevistas, se encargó de afirmar que él y Welles fueron los primeros en hacer tal cosa o en hacer tal otra -por ejemplo, usar sets techados-, pero muchos historiadores posteriores -como el mismo Bordwell- se han encargado de desmentirlo. Lo cual, por supuesto, no significa que El Ciudadano Kane sea menos valiosa por ello -como el papel de Griffith en la construcción del lenguaje fílmico está fuera de toda duda.
Al final de cuentas, si Griffith (o Toland o aquí en México "el Indio" Fernández, que era un auténtico mitómano) se salieron con la suya diciendo que habían inventado esto o aquello, no es culpa de los cineastas sino de la prensa y los críticos quienes tomamos como ciertas todas las palabras que los directores dicen. Un poco de prudencia, curiosidad y sentido común no estaría nada mal cuando escribimos de cine y de lo que dicen los directores de sí mismos y de sus películas.
(Bordwell, por cierto, también recuerda una confesión de Francois Truffaut que declaró que era fácil ganarse el favor de algunos críticos: había que dejar caer una referencia culterana por aquí, otra por allá y dejar que ellos, los críticos, la descubrieran para hacerlos sentir inteligentes y conocedores: Truffaut, que fue un gran crítico de cine, algo sabría de ello).
Ahora bien: no se trata de caer en el otro extremo -de no creerles a los cineastas nada de nada-, pero sí de ser honestos con nosotros mismos y con los lectores. Hacer nuestra tarea, pues. Todo esto me vino a la mente por una entrevista que acabo de leer en el espléndido blog de Carlos Reyes. En ella, Carlos Reygadas habla hasta por los codos sobre su más reciente cinta Luz Silenciosa (2007), el cine que le gusta, sus influencias, el cine "intelectual" y muchas otras cosas. ¿Cuánto de lo que dice Reygadas le creemos? ¿Cuánto de lo que dice es lo que los críticos queremos escuchar?

lunes, 15 de octubre de 2007

Cine en Televisión para el martes 16 de octubre

007 contra Goldfinger (Goldfinger, GB, 64), de Guy Hamilton. El tercer filme de Bond es una de las mejores aventuras fílmicas del super-espía británico. En ella aparecen todas las características básicas que luego se volverían indispensables en los siguientes filmes del 007.
Ahí está el prólogo en donde Bond se salva de morir por un pelito, la típica secuencia de créditos con siluetas de mujeres bailando y el 007 empuñando con seguridad un arma, la entrevista de Bond con M, sus coqueteos con Miss Moneypenny, los regaños de Q, los infaltables "gadgets" que se van a usar en la película, la presentación del villano y su letal achichincle, el enfrentamiento/conquista de la "chica Bond" de rigor, etcétera.
007 Contra Goldfinger tiene el regusto de lo clásico. Por supuesto, la película está protagonizada por un Sean Connery en su mejor forma -sin duda, el mejor de todos los Bonds, con todo y que el nuevo Daniel Craig no lo hace nada mal-, el villano Goldfinger es encarnado por el sólido actor Gert Frobe muy en su papel, el sicario de turno es un siniestro coreano invencible (Harold Sakata) con un sombrero que sirve para degollar cristianos, y la película está llena de imágenes inolvidables (la muchacha asesinada bañada de oro, el enfrentamiento del coreano con Bond, el asalto de Fort Knox) y hay varias one-liners memorables (mis dos favoritas: después de electrocutar a un villano, Connery dice, impasible, "shocking!" y, luego, cuando Bond está a punto de ser eliminado por Goldfinger, el 007 pregunta, desafiante: "¿Espera que yo hable?". "No, Mr. Bond", dice el pragmático maloso, "espero que muera").
Cinema Golden Choice 2; martes 16 de octubre, 20 horas (tiempo del centro de México).

Sé lo que viste el fin de semana pasado.../III


CARTELERA AL 12 DE OCTUBRE DE 2007

**Malos Hábitos (México, 2007), de Simón Bross. Al parecer, estoy en la minoría frente a la ganadora del Mayahuel 2007 a Mejor Película mexicana. Aunque visualmente impecable, la "opera prima" del publicista Bross me pareció una cinta quebrada (una de sus historias es mucho más interesante que la otra) y hasta francamente pomposa. De todas formas, a mucha gente le ha gustado: ha ganado premios por aquí y por allá. Le deseamos suerte. Reseñada en Reforma.
**Sicko (Ídem, EU, 2007), de Michael Moore. El mejor documental hasta el momento del populista/manipulador Moore. La cinta apunta bien y da en el clavo del vampiresco sistema de salud estadounidense. Parece mentira que el país más poderoso de la tierra no le pueda ofrecer mejores servicios a sus ciudadanos. Por supuesto, Moore no evita caer en simplificaciones y provocaciones, pero lo suyo es hacer cine. Si quiere un tratado de filosofía política, léase La Justicia como Equidad, de John Rawls (Paidós, 2001). Reseñada en Reforma.
**Valiente (The Brave One, EU-Australia, 2007), de Neil Jordan. Básicamente, El Vengador Anónimo (Winner, 1974), con faldas --bueno, con pantalones, porque Jodie Foster no acostumbra mucho los vestidos. Lo rescatable es el rapport romántico entre Foster y Terrence Howard. Lo demás... es lo de menos. Reseñada en Reforma y Mural.
**Supercool (Superbad, EU, 2007), de Greg Mottola. Esta nueva comedia del equipo Apatow (él produce y uno de sus actores favoritos, Seth Rogen, es co-guionista y aparece en un papel clave como policía locochón) es hilarante, ofensiva, vulgar... y conmovedora. El retrato de tres adolescentes que no quieren abandonar la prepa sin haberse acostado con una muchacha puede parecer más de lo mismo (desde Porky's/Clark/1982 hasta American Pie: Mi Primera Vez/Weitz/1999) y de hecho lo es. Pero nunca se había contado esta historia con tanta sensibilidad, gracia y melancolía. Reseñada en Cinevertigo.

sábado, 13 de octubre de 2007

Cine en Televisión para el domingo 14 de octubre


Los Asesinos (The Killers, Estados Unidos, 1946), de Robert Siodmak. El largometraje número 13 del alemán hollywoodizado Siodmak marcó un memorable debut por partida doble: el de Burt Lancaster y el de Ava Gardner. Basado en un cuento "hard-boiled" de Hemingway, se ve cómo dos matones a sueldo llegan a un pueblito de Nueva Jersey y asesinan a un misterioso hombre apodado "el Sueco" (Lancaster). Un agente de seguros (Edmond O'Brien) se da a la tarea de investigar los secretos del asesinado, quien dejó un seguro de vida de 25 mil dólares a una perfecta desconocida. Siodmak logró, con Los Asesinos, uno de los grandes clásicos del cine negro de todos los tiempos. Si no la ha visto, ¿qué espera? ¿A poco tiene algo mejor que hacer el domingo por la noche?


Cinecanal Classics; domingo 14, 19:10 horas, tiempo del centro de México.

Cine en Televisión para el sábado 13 de octubre


Ritmo de un Sueño (Hustle and Flow, EU, 2005), de Craig Brewer. Dudo mucho que Djay (Terrence Howard), el padrote que es el protagonista de esta cinta, sea un personaje cercano a la "dura realidad" que viven los "sufridos" proxenetas negros del sur americano. En todo caso, el padroteo no es el centro argumental de la trama. Sucede que Djay, quien "administra" a tres muchachas, redescubre en sí mismo un dormido talento musical de tal forma que, con la ayuda de un excompañero de escuela e ingeniero de sonido (Anthony Anderson) y un flacucho más blanco que la leche (DJ Qualls), crea varias canciones de hip-hop con las que pretende salir de la mediocridad, el anonimato y la pobreza. Con todo y la muy probable dulcificación de los padrotes, la película es difícil de resistir. Y es que, como dice su pegajoso tema musical (ganador del Oscar a Mejor Canción, por cierto), "es difícil allá afuera la vida para un chulo". Debe de ser. Me imagino.
Movie City; sábado 13, 16 horas (señal este) y 18 horas (señal oeste), tiempo del centro de México.

viernes, 12 de octubre de 2007

A los maestros, con cariño/IV


*The Feathered Serpent (Dir: William Beaudine, 1948)


Por: Francois Truffaut


Una carta abierta a Mr. Chan, detective privado, Beverly Hills, California:


Estimado Mr. Chan:

Por favor iniciar una investigación, con la ayuda del honorable hijo número uno y del honorable hijo número dos, para saber razón por la que la serie de Charlie Chan está poniéndose cada vez peor. Warner Oland mucho talento, Sidney Tolen pequeño talento, Roland Winters nada de talento. Norman Foster honorable director, William Beaudine nada honorable: trabajo mal hecho. En una tablilla de jade está escrito: "la tontería es la hermana del genio", pero la serie de Charlie Chan está más tonta cada día que el día anterior. Enviar explicación de manera inmediata. Pago en dólares chinos. Que Confucio esté con usted.


*Reseña publicada en 1953 en Cahiers du Cinema, recogida en la antología The Films in My Life (1994). Traducción de un servidor, tratando de respetar el satírico tono chinesco de la nota crítica/paródica original. Para que se vea que la regocijante mala leche es consustancial al oficio.

Cine en televisión para el viernes 12 de octubre


La Pantera Rosa (The Pink Panter, EU, 1963), de Blake Edwards. Aunque en la época en la que protagonizó esta cinta Peter Sellers ya era un actor más que conocido (por ejemplo, ya había encarnado a Quilty en Lolita/Kubrick/1962), es indudable que el personaje del Inspector Jacques Clouseau representó la consagración definitiva de este inigualable comediante inglés. El inspector francés que lucha por atrapar en esta película al elusivo ladrón de joyas “El Fantasma” (un David Niven apagadón y en neutral) es mucho más que un simple policía imbécil. El Clouseu de Sellers es, propongo, la imagen especular de Buster Keaton. Mientras el cómico silente formaba parte de un armónico ballet en el cual él, Keaton, se movía a la perfección, Clouseau chocaba con ese mismo universo y todos sus objetos. La imposibilidad de Clouseau para hacer algo bien –lo que sea: resolver un crimen, apagar la luz, caminar por un cuarto- es hilarante… y casi metafísica.
Cinecanal Classics; viernes 12, 22:15 horas, tiempo del centro de México.

jueves, 11 de octubre de 2007

El cliché que yo ya vi.../III


Las leyes del Reino Animal.

1) En cualquier escena ambientada en alguna jungla -que puede estar en cualquier parte del mundo- se escuchará algún animal (¿será un pájaro, un avión, una chachalaca?) que grite de la siguiente manera: !Uh-uh-uh-ah-ah-ah-AH-AH-AH!

2) Excepto cuando un perro se orina en la pierna de alguien, ningún animal defeca en el cine.

3) Hasta hace pocos años, cualquier depredador mamífero -un lobo, un oso, un jaguar- era visto como una amenaza y debía ser muerto a balazos por cualquier audaz y heroico cazador. En las últimas décadas, los osos -o lobos o leones o tigres- se han convertido en figuras fuertes, nobles, imponentes... y hasta menos carnívoras. ¿Habrán descubierto las bondades del tofu?

Cliché "descubierto" por Steve W. Zack publicado en el libro Ebert's Little Movie Glossary (1994). Libérrima traducción de un ocioso servidor.

Cine en televisión para el jueves 11 de octubre


El Secreto de Vera Drake (Vera Drake, GB-Francia, 2004), de Mike Leigh. Londres, 1950. Vera Drake (Imelda Staunton) limpia varias casas de ricos, se detiene a hacerle el té a su anciana madre y, al final del día, llega a su estrecho departamento para convivir con su familia. Siempre generosa, ayuda a cualquier mujer que tenga "un problema". Basta un poco de jabón rayado, una jeringa, una bombita... y el "problema" será expulsado en unos cuantos días. El Secreto de Vera Drake está muy lejos de ser una película pro-abortista como algunos podrían creer. Leigh muestra los hechos con neutralidad y queda claro que el aborto no es algo que se hace con gusto, por placer. El aborot es un fracaso, un tropiezo, un dolor, una vergüenza. Por eso Vera hace lo que hace: ella quiere ayudar, hacer el bien, dar un abrazo... Y cuando sea detenida, la pobre mujer no sabe qué hizo mal. Nosotros tampoco.

Cinecanal; jueves 11, 21:35 horas (señal este) y 23:35 horas (señal oeste), tiempo del centro de México.

martes, 9 de octubre de 2007

Cine en televisión para el miércoles 10 de octubre

Elefante (Elephant, EU, 2003), de Gus Van Sant. La cámara de Harris Savides sigue, mediante bellos e impecables plano-secuencias, a varios jóvenes en sus banales tareas cotidianas. Uno llega tarde a la prepa porque su papá se emborrachó, otro se dedica a tomar fotos, aquella es regañada por una maestra, unos noviecitos se besan, aquel trío de niñas comen y luego vomitan en el baño... Esa "normalidad" se verá interrumpida cuando aparezca el "elefante" del título: la violencia encarnada en dos jovencitos que, sin razón, matan a varios muchachos y maestros. Pero, ¿puede haber una razón para ello? He aquí la audacia de Van Sant: no intenta explicar nada porque, acaso, no hay explicación alguna. Como una cinta surreal de desastres, la violencia llega, actúa... pero ¿se va? Una obra maestra.


Cinema Golden Choice; miércoles 10, media hora después de la medianoche, tiempo del centro de México.

A los maestros, con cariño/III


LAS QUEJAS DEL PÚBLICO



*Fósforo (pseudónimo de Alfonso Reyes)



Los lectores suelen atendernos. Las empresas cinematográficas, todavía no. Hemos recibido cartas. A sus puntos nos referimos.

Verdaderamente, son insoportables esos maniáticos que, en todos los salones públicos , entornan los ojos y resoplan para hacer entender a las señoras que están poseídos del delirio amoroso, y subrayan con un ósculo al aire todas las escenas de amor.

¿Y qué decir de los que comentan, en voz alta, con toda clase de chistes los episodios de la cinta?

¿Y -oh, Dioses- de los que leen en voz alta los letreros de la película, porque de otra suerte corren riesgo de no enterarse?

Pues ¿y esos espectadores vergonzantes, que no hallan medio de dar a entender a todos que, aunque ellos han ido al cine, están muy por encima del cine y lo toman con gran desdén?

Acaben de irse de una vez. Y piensen que el perfecto espectador del cine pide silencio, aislamiento y oscuridad: está trabajando, está colaborando en el acto, como el coro de la tragedia griega.



*Texto publicado en la sección "Frente a la pantalla" del semanario madrileño España, el 23 de diciembre de 1915. Este artículo más otras reflexiones y reseñas están contenidas en la antología Frente a la Pantalla (textos sobre cine escritos por Reyes, Martín Luis Guzmán y Federico de Onís), de la colección Cuadernos de Cine (UNAM, 1963).




El cliché que yo ya vi/II

La enfermedad de Ali McGraw. Según Roger Ebert, se trata de una mortal enfermedad fílmica que lleva a la protagonista romántica a la tumba pero que, al mismo tiempo, en la medida que la susodicha se acerca a colgar los tenis, se ve más bonita y hasta más buenona. El cliché propuesto por Ebert surge a raíz del éxito de Una Historia de Amor (Hiller, 1970) pero, en realidad, es tan viejo como la imagen de Greta Garbo agonizando en La Dama de las Camelias/Camille (Cukor, 1936) o más antiguo aún si recordamos que Lilian Gish se veía más luminosa en la medida que sufría más y más y más...

lunes, 8 de octubre de 2007

Cine en televisión para el martes 9 de octubre


Los Aires Dificiles (España, 2005), de Gerardo Herrero. ¿No podrá crear el cine mexicano una criatura femenina tan vital, alegre, desvergonzada y desafiante como la Maribel de la prodigiosa Cuca Escribano? Por supuesto que no: cuando, de casualidad, a un cineasta mexicano se le ocurre un personaje femenino así –como a Cuarón en Y Tu Mamá También (2001)- la mujer resulta ser extranjera y agonizante de cáncer –lo que “disculpa” su desparpajo, por supuesto.
Aunque no es el personaje principal de Los Aires Dificiles, del prolífico y disparejo artesano Gerardo Herrero (Territorio Comanche/1997, El Misterio Galíndez/2002), la andaluza salerosa Maribel tiene el mejor momento de toda la película: cuando le espeta, sin parpadear, su desfachatada visión de la vida al estirado médico Juan (José Luis García Pérez), quien ha salido de Madrid con su hermano discapacitado mental y su sobrina de once años con el fin de alejarse de la muerte de su cuñada –a la que siempre amó- y de la muerte de su hermano –al que siempre aborreció.
Sobre la alabada novela homónima de Almudena Grandes, Los Aires Difíciles es un logrado melodrama de amores tormentosos, secretos no confesados y pasiones sexuales a la orilla del mar. Una película redonda, decentemente realizada, nunca aburrida que, para variar, nunca tuvo corrida comercial en México. Vista en el Festival de Guadalajara 2005.

Movie City; martes 9, 14:40 horas (señal este) y 16:40 (señal oeste), tiempo del centro de México.

Cine en televisión para el lunes 8 de octubre

Retrato de una Mujer Casada (México, 1979), de Alberto Bojórquez. El sexto largometraje de Bojórquez es la crónica cotidiana de los afanes de una joven mujer clasemediera, Irene (Alma Muriel), casada con un empleado bancario (Gonzalo Vega). Bojórquez logró una película interesante gracias a su buena mano para narrar con neutralidad los problemas a los que se ve enfrentada Irene, así como el comportamiento machista y abusivo de su esposo. Es cierto que la cinta cae en demasiadas obviedades y es algo discursiva, pero de cualquier forma tiene muchas más virtudes que defectos. Ojo con Ernesto Gómez Cruz que está de antología como el "tocayo" de Gonzalo Vega.
De Película, lunes 8, 21:30 horas.

Sé lo que viste el fin de semana pasado.../II


CARTELERA AL 5 DE OCTUBRE DE 2007


Las Mantenidas sin Sueños (Argentina, 2005), de Martín de Salvo y Vera Fogwill. Caótica pero entrañable comedia sobre tres generaciones de mujeres sobreviviendo en la inevitable crisis socioeconómica que se ha encargado de mostrar buena parte del cine argentino que hemos visto en los últimos años. Mejor Opera Prima en Guadalajara 2005. Reseñada en Cinevertigo.

Laberintos de la Memoria (México, 2006), de Guita Schyfter. En lo personal, creo que este es el mejor filme de la veterana Shyfter. Se trata de un documental en que la cineasta judía nacida en Costa Rica busca afanosamente sus propios orígenes al mismo tiempo que se acerca a la trágica historia de una chiapaneca adoptada por una académica cubana. Reseñada en Cinevertigo.


Todo Corazón (A Mighty Heart, EU-GB, 2007), de Michael Winterbottom. ¿Pueden ser compatibles la seriedad y el compromiso del especialista en docudramas Winterbottom (En este Mundo/2002 y Camino a Guantánamo/2006) con el “star-system” hollywoodense? Digamos que sí: Winterbottom hace un sobrio y bien documentado docudrama sobre el secuestro y la ejecución del periodista Daniel Pearl en Pakistán, pero se quita del camino de Angelina Jolie para que ella se luzca, cual diva todopoderosa que es. Reseñada en Reforma y Mural.


Guardianes del Día (Rusia, 2006), de Timur Bekmambetov. Energética continuación de la derivativa aventura mítico-fantástica Guardianes de la Noche (2004), que muestra una interminable lucha entre las fuerzas del bien y del mal. No puedo decir que me haya aburrido pero tampoco me entusiasmó demasiado. Es probable que por este juicio algunos amables blogueros me digan –como sucedió con la crítica que escribí para 300 (Snyder, 2006)- que me vaya a jugar con mi trompo y mi balero. Quesque estoy viejo para entender películas como estas. Será el sereno. Reseña en Reforma.


Dame 10 Razones (10 Items or Less, EU, 2006), de Brad Silberling. Una ligera re-elaboración de la premisa de Perdidos en Tokio (Coppola, 2003) con un actor famoso (Morgan Freeman) y una bella jovencita (Paz Vega) pasando el rato y compartiendo sueños y confesiones. Apenas si aguanta el palomazo: Vega está bellísima, Freeman es encantador y la banda sonora es muy atractiva. Lo mejor de la película fue el descubrimiento de un rapero chicano llamado Kemo the Blaxican y su pegajosísima rola “La Receta”.

domingo, 7 de octubre de 2007

El cliché que yo ya vi/I


El ineludible Roger Ebert escribió, en su pequeño pero invaluable librito colectivo "Ebert's Little Movie Glossary" el más divertido e iluminador compendio de clichés fílmicos, estereotipos, escenas obligadas, fórmulas gastadas, convenciones facilonas y sobados arquetipos. Escribí el adjetivo "colectivo" porque el susodicho manual fue, más que escrito, recopilado por Ebert. En sus poco más de cien páginas, el crítico de cine del Chicago Sun Times recoge centenares de clichés descubiertos y señalados por lectores de toda la unión americana.
Ya es hora de hacer un ejercicio similar en cuanto a los clichés del cine mexicano, de la Época de Oro, pero también del contemporáneo (¿alguien se apunta?). Por lo pronto, va el primer cliché recopilado por Ebert, libremente traducido por este ocioso:



Posición Inferior de la Actriz. En escenas sexuales, que son generalmente dirigidas por hombres, el punto de vista al momento del climax es casi siempre el del hombre, de tal forma que vemos a la actriz perder el control (pujar, suspirar, gritar, etcétera), pero nunca al hombre -faltaba más.
Cliché "descubierto" por Gene Siskel (nada menos).

sábado, 6 de octubre de 2007

Cine en televisión para el domingo 7 de octubre


La Suerte Está Echada (Argentina, 2005), de Sebastián Borensztein. La "opera prima" de Borensztein -para variar, inédita comercialmente en nuestro país- es una muy divertida comedia sobre dos medios hermanos (uno; encarnado por Marcelo Mazzarelo, el de la foto, es un actor de teatro tomado como "ave de mal agüero"; el otro, interpretado por el ubicuo Gastón Pauls, es un empleado recién despedido de una fábrica de zapatos) que tratan de resolver sus problemas personales/existenciales al mismo tiempo que se enteran de la enfermedad terminal de su anciano padre, Don Víctor. La cinta es ágil, entretenida y, aunque su historia peca de indisciplina en algunas de sus subtramas, recuerdo que La Suerte Está Echada fue, por lo menos para mí, la más grata sorpresa de Acapulco 2006, festival en donde la vi hace poco más de un año.

Cinemax (señal oeste); domingo 7 a medianoche, tiempo del centro de México.

Seré breve.../I



I

Un año después que Al Capone fuera apresado por evasión de impuestos y condenado a 11 años de prisión, Howard Hawks llevó a la pantalla la biografía del célebre delincuente. Caracortada, la Vergüenza de una Nación (1932), marca el inicio del cine de gánsters, género nacido por la unión de un fenómeno social y un progreso técnico. El fenómeno social fue, por supuesto, el nacimiento de la mafia, propiciado por la absurda Ley de Prohibición del Alcohol promulgada en 1920. El progreso técnico, por otra parte, fue el perfeccionamiento de la reproducción de los sonidos debido a los ingenieros de la compañía estadounidense Western Electric.
Durante los años que duró la Prohibición, de 1920 a 1933, las mafias siciliana (dirigidas por Capone y Vito Genovese) y estadounidense (comandadas por el judío Arnold Rothstein y el “holandés” Schultz) asesinaron, solamente en Chicago, a más de 700 personas, tendieron sus redes a lo largo y ancho de la unión americana y corrompieron a jueces, políticos y policías. Paralelo a este fenómeno social, el cine silente llegaba a su fin con el estreno, en octubre de 1927, de El Cantante de Jazz, primer largometraje exitosamente sonoro. Sin embargo, no sería hasta inicios de los 30 cuando los ingenieros de la Western Electric resolvieron los innumerables problemas técnicos de las primeras “talkies” y, por fin, se pudieron escuchar como se debe el chirriar de llantas, los disparos de una ametralladora, las sirenas de las patrullas de policía, los cristales de un aparador rotos en mil pedazos, las botellas de whisky quebrándose en el fragor de una balacera. Así pues, un problema social y un progreso tecnológico habían traído al mundo del cine uno de los géneros hollywoodenses por excelencia: el cine de gánsters.
Durante las décadas de los 30 y 40, cintas como la mencionada Caracortada o El Enemigo Público (Wellman, 1931) o Alma Negra (Walsh, 1949), llevaron al cine un elemento novedoso –la violencia callejera— y un nuevo personaje-leyenda: el mafioso. Durante los siguientes años, el género languideció hasta la aparición de El Padrino y su secuela (Coppola 1972 y 1974), sin lugar a dudas –por lo menos para quien esto escribe— las mejores películas sobre la mafia en la historia del cine americano.
Recordemos a vuelo de pájaro la historia de la primera cinta: el sagaz capo Vito Corleone (Marlon Brando) se niega terminantemente a compartir sus influencias con la familia Tattaglia, la que se dispone, en plena década de los 50, a entrar de lleno al tráfico de drogas. Esta negativa del Don de la familia Corleone desata de una guerra de gánsters de la que saldrá vencedor, al final, el benjamín de la “famiglia”, el calculador Mike (Al Pacino), convertido de golpe y porrazo en “el padrino” de la mafia neoyorkina.
El tema, pues, ya había saltado a la palestra. El nuevo gánster no trafica alcohol, no maneja prostitutas, no domina sindicatos ni casinos: el nuevo mafioso maneja drogas. Los viejos hampones estaban de plano descontinuados. La nueva mafia trafica con opio, cocaína, mariguana, crack, anfetaminas, etc. Los policías como Gene Hackman en Contacto en Francia (Friedkin, 1971) no tratan de interceptar un cargamento de licor sino van tras uno de heroína. El nuevo Caracortada no toma alcohol sino que, con rostro de Al Pacino en Scarface (De Palma, 1983), se hunde ahora en una montaña de cocaína, convirtiendo sus fosas nasales en un par de aspiradoras. El gánster, pues, se había convertido en narcotraficante.

II

En México, el gánster hizo su aparición en los años 50 como personaje secundario. El ganster nacional trafica con pieles, joyas y domina los juegos de azar y las apuestas. La siembra, cosecha y tráfico de mariguana y amapola no existían, pero sólo para nuestro cine: en el norte del país, algunos mafiosos empezaban a dar de qué hablar en “el negocio”. Así pues, en contraste con Hollywood, que a principios de los 30 había creado el cine de gánsters partiendo de una realidad palpable, en México, nuestro cine, a fines de los 50, aún no se atrevía a ver más allá de sus chafísimos estudios donde se filmaba de todo –comedias rancheras con machorras empistoladas, discursos aleccionadores a la juventud “descarriada”, “atrevidos” filmes con “desnudos artísticos”—, siempre y cuando ese todo le diera la espalda convenientemente a la realidad.
No sería hasta el final del desastroso “margarato” (1976-1982) cuando empezarían a aparecer las primeras películas nacionales de “narcos”. El ambiente: la frontera. Los elementos dramáticos: venganzas entre judiciales y narcotraficantes, corridos cantados por un conjunto norteño (Los Tigres del Norte en las películas de lujo) y la presencia infaltable de Mario Almada, que sólo en esa década hizo su aparición en más de 50 filmes. Resultados: un cine de acción que –con una u otra rara excepción— es tan malhechote como pusilánime, tan incapaz de filmar correctamente una balacera o una persecución en automóvil, como de mostrar el verdadero mundo del narcotraficante, su vida cotidiana y sus conexiones con la policía, la clase política y la iglesia.
¡Qué extraordinarias películas se podrían hacer sobre Miguel Félix, Caro Quintero, El Señor de los Cielos, la familia Arellano Félix o El Chapo Guzmán! Pero, supongo, tendremos que esperar sentados a ver ese tipo de cintas. En un descuido, Hollywood las hace primero. ¿O alguien por ahí levantará la mano? ¿El culiche-tapatío Beto Gómez, por ejemplo?