Envíos gratis a México

lunes, 30 de junio de 2008

Sé lo que viste el fin de semana pasado.../XL


Pues sé poco en estos primeros minutos del lunes. Sólo vi dos de las cuatro cintas que están en cartelera. Pero una de ellas vale por casi toda la carletera del año en curso.


Un Plan Brillante (Flawless, GB-Luxemburgo, 2007), de Michael Radford. Una rutinaria heist-movie que se vuelve bastante visible por la presencia de Michael Caine. El actor doblemente oscareado es un afanador cojo que decide robar a la más grande compañía de diamantes del mundo, abordando para ello a una ascendente ejecutiva (Demi Moore restirada) que no sabe bien a bien qué esconde Mr. Caine, todo ello en el Londres de inicios de los 60. El asunto es entretenido, hasta que llega el desenlace, francamente ridículo. Mi reseña en REFORMA.


Pasiones Privadas en Lugares Públicos (Coeurs, Francia-Italia, 2006), de Alain Resnais. Después de haber sido exhibida hace más de un año en el FICCO 2007, llega a las salas comerciales defeñas el más reciente filme del venerable octogenario nuevaolero Alain Resnais (en realidad, Resnais no pertenece exactamente a la nouvelle vague, pero ya habrá tiempo de discutir este asunto en otra parte). Como en el díptico también dirigido por Resnais, Smoking/No Smoking (1993), Pasiones Privadas... está basada en una obra teatral del inglés Alan Ayckbourn en la que seguimos a media docena de personajes solitarios en un París perpetuamente nevado. Una obra maestra con un desenlace tan desgarrador como conmovedor... pero devastadoramente lógico. Mi reseña en REFORMA.

domingo, 29 de junio de 2008

A 50 Años de la Nueva Ola Francesa/I


La Cineteca Nacional ha programado durante todo el mes de julio un ciclo-homenaje a la Nueva Ola Francesa con una treintena de sus cintas más representativas, una decena de documentales sobre la importancia de esta corriente y una docena de películas mexicanas que fueron claramente influenciadas por Truffaut, Godard, Chabrol, Rivette, Resnais y el resto de la banda. La programación completa, aquí. En este espacio iremos dando cuenta de algunas de estas películas.

sábado, 28 de junio de 2008

Cine en televisión para el sábado 28 de junio


EL CASTILLO VOGELOED (SchloB Vogeloed, Alemania, 1921), de F. W. Murnau. Dirigida por Murnau antes de Nosferatu (1922), esta cinta es una curiosa pieza de whodunit. En el castillo del título, una decena de personajes se reúnen un fin de semana para ir de cacería. Sin ser invitado llega el sombrío Conde Oechst (Lothar Mehnert), a quien las habladurías de la región acusan de haber asesinado, años atrás, a su propio hermano Paul (Paul Hartmann). El problema es que al mismo castillo llega la viuda/cuñada (Olga Tsechowa). Más una elegante pieza de misterio policial que cualquier otra cosa, el filme se destaca por el magistral manejo del espacio dentro del encuadre, especialmente en la bien estudiada escena en la que dos personajes se ven confrontados después de que uno de ellos ha cometido un crimen deseado por el otro. La programación de esta película estará precedida por el clásico surrealista Un Perro Andaluz (Buñuel, 1929). Buen programa doble.
Canal 22, sábado 28, medianoche, tiempo del centro de México.

viernes, 27 de junio de 2008

La película que nunca vimos/I


Más bien: que gracias a Dios, nunca vimos (en este tipo de casos hasta los ateos nos acordamos de Diosito).

Hojeando un Sight and Sound de hace diez años (marzo de 1998, para ser precisos), me encuentro con la columna "The Deal", firmada por Mr. Busy, pseudónimo acaso colectivo de la redacción del magazine británico. En esa sección -ya desaparecida, por cierto- se analizaba la taquilla, la industria, los negocios y los tratos firmados o por firmar para realizar tal o cual filme. En un apartado se menciona que las negociaciones para una secuela de Blade Runner (Scott, 1982) están -en marzo de 1998, insisto- muy avanzadas. No se menciona si en el proyecto está Ridley Scott o el reparto original, pero se afirma que es un hecho la voluntad de hacer una continuación del clásico de ciencia ficción de los 80.

Por fortuna, sabemos que algo se atravesó en el camino de esas negociaciones y no tenemos secuela. Imagínese usted la historia: ¿en esa continuación quedaría claro que Deckard (Harrison Ford) es replicante o que es un ser humano? ¿Ya habrá muerto Rachael (Sean Young) o seguiría viva? ¿Revivirían a Roy (Rutger Hauer) para darle emoción al asunto? Lo dicho: bendito sea Dios que se cayó ese proyecto.

jueves, 26 de junio de 2008

Pura malicnidá

Fotografía tomada por mi heroica editora de REFORMA,
Haydé Murakami

Lo realmente maligno es la calidad de la educación en este país...

miércoles, 25 de junio de 2008

Zapeando/II


Cambié de canal y me encontré con el homenaje a la secuencia de las escalinatas de Odessa de El Acorazado Potemkin (Eisenstein, 1925) en Los Intocables (De Palma, 1987). A partir de ahí me fue imposible dejar de ver la cinta: la precisión en el montaje de las imágenes, el ralenti bien dosificado, la música de Morricone... Luego, el juicio a Capone (Robert de Niro), el enfrentamiento de Eliott Ness (Kevin Costner) y Frank Nitti (Billy Drago) -¡y otra la vez la música de Morricone!- hasta llegar a la caricaturesca furia del gángster y la frase final de Costner en el epílogo: "Si quitan la prohibición, me echo un trago". Pues yo me echo dos.

martes, 24 de junio de 2008

¿Y con qué se come?/IV

Un lector me pide que explique el significado del término "la cuarta pared". Se trata de la pared imaginaria que está frente a nosotros cuando vemos una obra de teatro (las otras tres están en el escenario: al fondo de los personajes, a la izquierda y a la derecha) o, por supuesto, cuando vemos un filme. La cuarta pared en una cinta sería, para los personajes, la misma pantalla cinematográfica.
El rompimiento de "la cuarta pared" -es decir, cuando los personajes se dirigen directamente al público recordándole que están viendo una pieza teatral o una película, dinamitando así el encanto y la ilusión de la obra artística- no es tan novedoso como podría suponerse. Uno puede encontrar este artilugio, por ejemplo, en Shakespeare y en el cine está en incontables comedias silentes de principios del siglo pasado.
En todo Laurel y Hardy, por ejemplo, la inolvidable y auténtica pareja/dispareja miraba continuamente hacia la cámara, buscando la complicidad del espectador. En una entrada anterior, Joel Meza recordó uno de los mejores rompimientos de "la cuarta pared" -si no es que el mejor- en la historia del cine mexicano: cuando Tin tan y Marcelo, borrachos, se dirigen al hipotético público sentado en su butaca en El Rey del Barrio (Martínez Solares, 1949).
Marcelo, el policía, briago, le da permiso a Tin tan que robe, "total", dice", "mire usted, cuanto ratero millonario anda suelto por ahí", señalando hacia la cámara.
Tin tan, preocupado de que Marcelo esté ofendiendo al público que ha pagado su boleto para ver la película ("ellos nos mantienen"), se dirige también hacia la cámara, disculpándose:
"Dispénselo, está tomado... Señor, no es pleito con usted, no se ofenda, no se vaya... Dispénselo, está borracho...".
¿Algún otro ejemplo del rompimiento de la cuarta pared? Ah, y la escena que comento con Tin-tan y Marcelo, aquí abajo, hacia el final de este segmento de El Rey del Barrio:

lunes, 23 de junio de 2008

Sé lo que viste el fin de semana pasado.../XXXIX


12:08 al Este de Bucarest (A fost sau n-a fost?, Rumania-Francia, 2006), de Corneliu Porumboiu. La cinta ganador de la Cámara de Oro en Cannes 2006 es una minimalista comedia sociopolítica y de costumbres cuya sencillez llega a ser insoportablemente punzante. La trama tiene que ver con un chafísimo programa televisivo de opinión y análisis político –no tan malo como los de Televisa, eso sí- en donde se trata de dilucidar si realmente hubo o no Revolución en cierto pueblo literalmente cuetero. Uno de los mejores filmes del año. Una reseña mía, en REFORMA y otra más, aquí.

Kung Fu Panda (Ídem, EU, 2008), de Mark Osborne y John Stevenson. Una película infantil-palomera que no quiere ser otra cosa más que eso… y lo logra. Estamos en el terreno fílmico-fantástico de las películas de kung-fu, sólo que colorido, animado digitalmente y habitado por criaturas antropomórficas. En este universo alterno, el panda del título llamado Po (voz de Jack Black en inglés, de Omar Chaparro en español) sueña en convertirse en un gran combatiente de artes marciales, lo que se cumplirá, para su desgracia pero, también, pera su posterior fortuna. Mi reseña en REFORMA.

El Llanto de la Mariposa (Le Scaphandre et le Papillon, Francia-Estados Unidos, 2007), de Julian Schnabel. En su tercer largometraje, el pintor vuelto cineasta Schnabel nos entrega un experimento límite de narración objetiva/subjetiva. Basado en el libro "La escafandra y la mariposa" que Bauby escribió por interpósita persona -el editor del magazine de modas Elle estaba casi completamente paralizado y sólo se comunicaba a través del parpadeo de su ojo izquierdo-, Schnabel logra transmitirnos los límites infinitos de la conciencia humana. A pesar de estar atrapado en su cuerpo, Bauby desea mujeres, se ríe de su condición, siente culpas, expresa su amor... Los ojos de Bauby son los lentes de la cámara de Janusz Kaminsky y son ojos que no queremos que se cierren nunca. Mi reseña en REFORMA.

domingo, 22 de junio de 2008

Cine en televisión para el domingo 22 de junio


EL REVOLTOSO (México, 1951), de Gilberto Martínez Solares. Aunque el canon afirma que El Rey del Barrio (Martínez Solares, 1950) es la obra maestra del comediante Germán Valdés Tin Tan, su director Martínez Solares y su argumentista/dialogista Juan García el Peralvillo, la verdad es que El Revoltoso no se queda muy lejos. Tin Tan encarna a un chismoso ladilla que se mete donde no lo llaman sólo para causar estropicios (la secuencia inicial en la vecindad es hilarante), para provocar problemas (su choro “revolucionario” en un choque automovilístico que ni siquiera vio) o de plano para echar relajo (cuando persigue con una multitud a un puerquito). Como en ninguna otra cinta, Tin Tan no conoce descanso alguno y acaso por eso mismo el desenlace del filme, con todo y que su personaje escala la Torre Latinoamericana como hombre-mosca, se nota demasiado abrupto. Queremos que siga echando boruca.

De Película; domingo 22, 15 horas, tiempo del centro de México.

sábado, 21 de junio de 2008

¿Y con qué se come?/III


Seguramente ha leído usted el término en alguna revista y/o blog de cine, especialmente en los destinados a los asuntos económicos. Se trata del término "four quadrant movie", la piedra filosofal que busca todo estudio hollywoodense. En pocas palabras, se trata de las películas que atraen a los cuatro cuadrantes posibles del público: a hombres, a mujeres, a jóvenes y a viejos. Cuando un filme pega en el centro de estos cuadrantes -es decir, que le interesa a porcentajes significativos de los cuatro grupos- se convierte en un hit taquillero. El problema es, ¿cómo saberlo?

Un ejemplo: la interminable saga jamesbondesca siempre le ha interesado más a los hombres -viejos o jóvenes- que a las mujeres, pero en la última entrega, en Casino Royale (Campbell, 2006), los dos cuadrantes femeninos subieron algunos puntos, acaso por la elección de un nuevo y más juvenil 007.

Otro ejemplo: el actor que atrae a los cuatro cuadrantes en mayor cantidad es Will Smith. Hombres y mujeres, jóvenes y viejos, han convertido en éxito económico todo lo que ha protagonizado en los últimos años. De ahí, también, todos los millones que cobra por cada cinta.

Y otro más: casi todo Pixar funciona bien en los citados cuatro cuadrantes. Uno podría decir que es lógico, porque se trata de cine infantil y siempre habrá un tío/tía, papá/mamá, abuelito/abuelita que tenga que acompañar a los niños. Pero no: además de que los adultos acompañan a sus hijos/sobrinos/nietos, la realidad es que Pixar hace que los adultos (hombre, mujeres, viejos, jóvenes) vayan solos a ver sus películas. Yo iría de nuevo a ver Toy Story en pantalla grande, sin pensarlo dos veces.

viernes, 20 de junio de 2008

Cine en televisión para el viernes 20 de junio


LA PERLA (México, 1945), de Emilio Fernández. A propósito de homenajes nacionales recientes a Gabriel Figueroa -José Felipe Coria, en El Financiero, ha dedicado sus últimas dos columnas al tema-, lo mejor de La Perla, el octavo largometraje del “Indio” Fernández es, precisamente, el espléndido trabajo del fotógrafo, quien ve a sus hieráticos personajes posando en el vasto, inabarcable, paisaje natural. La trama –basada en una novela de John Steinbeck adaptada por él mismo- no es tan interesante: se trata de un oscuro relato fatalista en el que un pescador de las costas del Pacífico mexicano (Pedro Armendáriz) encuentra la enorme perla del título. Pero eso, en lugar de darle felicidad y progreso, le trae desgracia e infortunio, con todo y muerte incluida de su chilpayatito. Como bien afirma García Riera en su Historia Documental del Cine Mexicano (tomo 3, p. 292), lo que plantea la cinta es que “los pobres no saben qué hacer con la riqueza”. Ismael Rodríguez en sus melodramas populacheros decía lo mismo, es cierto, pero de una forma más entretenida y graciosa.

De Película; viernes 20, 19 horas, tiempo del centro de México.

jueves, 19 de junio de 2008

The Auteurs


En Estados Unidos se quejan de que la crítica de cine seria está desapareciendo de los periódicos, pero no hay por qué hacer dramas: es ahí, en la red estadounidense, donde no me he cansado de encontrar algunos de los mejores sitios de lectura, reflexión y crítica cinematográfica/cinefílica. El más reciente de mis descubrimiento es esta página, The Auteurs Cinema, en donde escriben varios jóvenes cinecríticos entre los que destaca el free-lance Glenn Keny, quien colabora con un magnífico texto sobre surrealismo y Busby Berkeley. Sólo en las últimas semanas, además del texto de Keny, se han podido leer ahí ensayos sobre Mizoguchi y un repoorte del Festival de Cine Asiático en Nueva York.

miércoles, 18 de junio de 2008

Las 10 de los 10


Toda lista tiene sus asegunes y esta, del American Film Institute, tiene varios. Pero está interesante y se presta para platicar de ella. Se trata del top-ten de diez géneros y/o fórmulas hollywoodenses por excelencia. A continuación, las mejores películas de cada tipo:



Animación: Blanca Nieves y los Siete Enanos (1938), de David Hand y Perce Pearce.



Comedia romántica: Luces de la Ciudad (1931), de Charles Chaplin.



Western: Más Corazón que Odio (1956), de John Ford.



Deportes: Toro Salvaje (1980), de Martin Scorsese.



Misterio: De entre los Muertos (1958), de Alfred Hitchcock.



Fantasía: El Mago de Oz (1939), de King Vidor y Victor Fleming.



Ciencia Ficción: 2001: Odisea Espacial (1968), de Stanley Kubrick.



Gángster: El Padrino (1972), de Francis Ford Coppola.



Drama de Juzgado: Matar un Ruiseñor (1963), de Robert Mulligan.



Cine épico: Lawrence de Arabia (1962), de David Lean.





Tres anotaciones, a bote pronto:

1) De las mejores de cada grupo, la más reciente es Toro Salvaje, un filme de hace 28 años.

2) ¿Misterio en lugar de thriller?

3) Luces de la Ciudad es una gran película. Una de mis favoritas, de hecho, pero ¿comedia romántica? Yo hubiera preferido como la mejor de la fórmula la número 2 o la número 3 (es decir, Dos Extraños Amantes/Allen/1977 y Sucedió una Noche/Capra/1934).



La lista completa, con trailers, entrevistas, fichas técnicas, aquí.

Gotta Dance!!!: Cyd Charisse (1921-2008)

Lo he escrito en otras ocasiones: yo acostumbro ver por lo menos una vez al año Cantando Bajo la Lluvia (Kelly y Donen, 1952) para que no se me olvide lo que es el mejor, el gran cine de siempre: el más divertido, el más ingenioso, el más propositivo, el más artístico. Por eso, por lo menos una vez al año vuelvo a ver las maravillosas piernas de Cyd Charisse, que acaba de morir hace unas horas. Y a propósito de sus piernas y como homenaje público, aquí abajo la aparición que la hizo famosa, junto a Gene Kelly en el apoteósico número final de Cantando Bajo la Lluvia. Como homenaje personal, volveré a ver la obra maestra como cantante, bailarín, coreógrafo y cineasta de Kelly.



martes, 17 de junio de 2008

Hoy en la Cineteca Nacional


Vista hace tres años en el Festival de Guadalajara, llega a la Ciudad de México a través de la Cineteca Nacional Los Muertos (Argentina-España-Holanda, 2004), junto con otras dos cintas de su discutido director, Lisandro Alonso (su opera prima La Libertad/2001 y Fantasma/2006). A continuación, lo que publiqué en MURAL hace varios años en relación a Los Muertos, que se exhibe hoy en la Cineteca Nacional:


...No hay dispersión alguna en Los Muertos, segundo largometraje de Lisandro Alonso. Austera y contemplativa hasta el límite, la película nos ubica en el viaje que hace un preso recién liberado llamado Argentino Vargas, que va en busca de su hija a la que no ve hace mucho tiempo.
Los primeros minutos –un largo plano secuencia que se enfoca y desenfoca en un paisaje selvático hasta que, casi por casualidad, toma los cadáveres ensangrentados de dos niños— nos ubican de inmediato en el tono narrativo/visual que afrontaremos en la siguiente hora y fracción. Vargas sale de la cárcel, llega a un poblado, hace el amor, compra algo para su hija y para sus desconocidos nietos, y toma una canoa para remontar el río.
En este viaje volveremos a las escenas iniciales ya descritas. Aunque los cadáveres no aparecen (ni nunca es aclarado de quién son), lo que veremos en el periplo de Vargas es la muerte y su relación con la naturaleza. El solitario tipo avanza en el imponente espesor verdoso, toma un poco de miel natural y –en una escena que para algunos resultará escandalosa— se consigue algo de comida animal con una destreza escalofriante.
Es claro que una película tan radical como Los Muertos difícilmente podrá ser vista comercialmente en nuestro país. Si a usted le gusta tomar riesgos véala, pero tómese sus precauciones: este regreso a casa no es exactamente La Odisea.

lunes, 16 de junio de 2008

Sé lo que viste el fin de semana pasado.../XXXVIII

Así se puso Edward Norton cuando le dijeron los de Marvel que
no tenía derecho a decidir el corte final de Hulk




Planeta Terror (Planet Terror, EU, 2007) de Robert Rodríguez. La segunda parte –en realidad era la primera- del double-feature Grindhouse (Tarantino, Rodríguez et al) fue, para mí, algo cercano a una auténtica tortura. A diferencia de Tarantino, Rodríguez no tiene idea de cómo hacer hablar de manera inteligente, interesante o graciosa a sus personajes. Así que sólo le resta subrayar lo más grotesco, violento o francamente guacareante de su zombiesca trama de explotación, con tal de mantener la atención del respetable. Con todo, es probable que yo esté equivocado –nunca me ha gustado gran cosa el cine de Rodríguez, debo confesar- y que sus defensores, como Marco González Ambriz, estén en lo cierto. Bueno, algo sí me encantó: las presencias de Rose McGowan y Marley Sheton. Mi reseña está en REFORMA.

Hulk, el Hombre Increíble (The Incredible Hulk, EU, 2008), de Louis Leterrier. Para variar, estoy en la minoría. Aunque razonablemente entretenida, el Hulk de 2008 me parece inferior que el Hulk de Ang Lee de hace cinco años. Es cierto que el nuevo Hulk es mejor filme de acción y que Edward Norton es un actor muy más competente que Eric Bana, pero ahí se acaban las mejoras con respecto a la película de 2003. 


El Fin de los Tiempos (The Happening, EU-India, 2008), de M. Night Shyamalan. Tenía que ir a verla, claro. No bastó la experiencia del churrazo anterior La Dama en el Agua (2006), no bastó que no hubo función de prensa –lo que casi siempre resulta ominoso-, no bastó el 37 de calificación en metacritic. Tenía que verla. Puro morbo, la verdad. No es tan mala como La Dama en el Agua, es cierto, y la premisa de la cinta es interesante, pero los diálogos son pésimos y las actuaciones son muy pobres. Y ese intento de acercarse al Hitchcock más alegórico (Los Pajaros/1963) es de pena ajena. Mi reseña, aquí.

domingo, 15 de junio de 2008

Weepie Father's Day




Podría presumir que mi escena favorita del día del padre es la de una cinta de cierto prestigio artístico e intelectual -por ejemplo, cuando Mathieu Almaric rasura a su anciano padre Max von Sydow en la espléndida El Llanto de la Mariposa (Schnabel, 2007)-, pero la verdad que mi momento favorito del día del padre es cuando Kevin Costner le pide a su juvenil papá fantasmal que jueguen a la pelota en el sentimental desenlace de El Campo de los Sueños (Robinson, 1989). Casi se me salen las de Caín al estar recordando esa escena. ¿Y a todo esto, cuál es su escena lloriqueante favorita entre un papá y su hijo?

sábado, 14 de junio de 2008

Solo ante el peligro/III


Ante el estreno de Hulk, el Hombre Increíble (Leterrièr, 2008), rescato mi reseña de hace cinco años de Hulk (Lee, 2003), publicada en REFORMA. En su momento, me sentí solo ante el peligro: fui uno de los pocos a los que les gustó la cinta del taiwanés. Acabo de volver a verla -es la tercera vez que lo hago- y no le cambiaría gran cosa a lo que está escrito a continuación, y como sigue:

Un científico militar obsesionado con su trabajo llega al extremo de experimentar consigo mismo y con su propio hijo. Un hosco general es incapaz de tener una relación emocional saludable con su bella hija. Esta última parece condenada a ser atraída por hombres “emocionalmente distantes”, incapaces de mostrar amor y sentimientos. Y, para acabarla, por ahí anda un joven científico, rígido y seco, que descubre que tiene una debilidad que no puede controlar y, peor aún, que no desea controlarla, pues cuando se abandona en ella se siente libre y poderoso. Como quien dice, estamos ante un grupito de criaturas neuróticas, adictas, reprimidas e irascibles: ¡mándelas a un diván!
Los cuatro personajes descritos son los protagonistas de Hulk (The Hulk, EU, 2003), el más reciente cómic de la casa Marvel adaptado al cine. Dirigido por el camaleónico Ang Lee y con un sólido argumento escrito por James Schamus, Hulk debe anotarse por derecho propio entre las más interesantes comic-movies de los últimos años, al lado de Batman (Burton, 1989) y El Hombre Araña (Raimi, 2002). Y es que al igual que las cintas sobre Bruce Wayne o Peter Parker, la crónica del pobre diablo Bruce Banner convertido en un monstruo verde, vale no sólo por sus efectos especiales o sus secuencias de acción, sino por el complejísimo entramado de relaciones que existen entre sus personajes.
El original Hulk (creado por Stan Lee y Jack Kirby en 1962) era producto de la experimentación científica y de un valiente acto heroico/suicida, pues Bruce Banner era afectado por radiación gamma al salvar a un muchacho de una muerte segura. En contraste, la aparición del Hulk ideado por Schamus y Ang Lee no se debe tanto a los rayos gamma. De hecho, éstos sólo nos descubren el verdadero origen del problema: el abuso físico/emocional al que estuvo expuesto Banner cuando era un bebé, manipulado por su enloquecido padre científico. Después de 30 años de haber desaparecido, el “Papito Querido” vuelve para exigirle a su traumatizado retoño que sea su instrumento de venganza en contra de todos aquellos que lo hicieron a un lado. En un delirante discurso que parece haber sido dictado por Osama después de haber leído a Nietzsche, Banner senior se descubre como el gran villano del filme –y, por lo mismo, como su personaje más interesante.
Lee trata de hacer compaginar lo mejor posible los problemas existenciales de sus personajes con las demandas de una pop-corn movie que no puede renunciar a serlo. Por un lado, el taiwanés le imprime a su narrativa un dinamismo contagioso: a la pantalla dividida en varios cuadros (herramienta ya usada en Macabras Historias de Horror/Romero, 1982), Lee le agrega una impresionante variedad de transiciones (disolvencias digitales, barridos, uso discreto del zoom, cortinas) que transmiten la sensación de estar frente a las enormes páginas de un cómic que pasan rápidamente frente a nuestros ojos. Y, por otra parte, Lee le ofrece el suficiente espacio a sus cuatro actores principales para que encarnen con justicia a sus respectivos personajes. El que menos se hace notar es, por supuesto, el australiano Eric Bana como Bruce Banner, pero esto no es culpa de él: no puede competir con el Hulk digital, con la mirada triste-triste de Jennifer Connelly, con un rabioso y carismático general Ross (Sam Elliott) y, ni se diga, con un desatado Nick Nolte encarnando al peor papá malvado desde Darth Vader. La duda es: ¿cómo le van a hacer en Hulk 2 sin el señor Nolte?

viernes, 13 de junio de 2008

Cine en televisión para el viernes 13 de junio


LAS NOCHES DE CABIRIA (Le Notte di Cabiria, Italia-Francia, 1957), de Federico Fellini. El sexto largometraje de Fellini se convirtió, con el paso del tiempo, en uno de los más populares de su extensa filmografía. Fellini rescató a un personaje secundario que aparecía hacia el final de la hilarante sátira dirigida por él mismo El Sheik Blanco (1952) –la pequeña y jovial prostituta Cabiria, encarnada por Giuletta Masina, esposa del cineasta- y alrededor de él construyó este memorable melodrama chaplinesco en la que la Cabiria del título se enamora y se vuelve a enamorar, se ilusiona y se vuelve a ilusionar, mientras la realidad le paga de fea manera una y otra vez. La trama de esta cinta se adaptaría en Broadway, años después, con el nombre de “Sweet Charity” y luego este musical sería llevado al cine, dirigido por Bob Fosse en 1969 con el nombre de Dulce Caridad con Shirley McLaine en el papel de Masina.

Canal 22; viernes 13, medianoche, tiempo del centro de México.

jueves, 12 de junio de 2008

El cliché que yo ya vi/XXXII


El estimado poeta deja de pensar un momento en futbol y propone el...

Cliché del puente colgante: en cualquier película de aventuras exóticas, habrá una escena en donde los personajes cruzarán un puente colgante que se derrumbará. Los ejemplos abundan: King Kong, Indiana Jones en el Templo de la Perdición, etcétera.

miércoles, 11 de junio de 2008

Berlín Alexanderplatz


En la entrada anterior, un lector de este blog, Simental, sin que viniera a cuento -y se lo agradezco por ello- apuntó que había que ir a la Cineteca a ver Berlin Alexanderplatz (Alemania, 1980), una de las más grandes teleseries en la historia de la pantalla chica de todo el mundo. Los 13 capítulos y su epílogo dirigidos por Rainer Werner Fassbinder sólo pueden compararse -en el canon personal- con Yo, Claudio (GB, 1976), de Herbert Wise, y, claro está, con Los Sopranos (1999-2007). ¿No vive en la Ciudad de México?: ni hablar. Hay que ahorrar y comprar Berlín Alexanderplatz en DVD.

martes, 10 de junio de 2008

Como los dodos...


En los últimos meses ha aparecido un tema recurrente en diarios, revistas y blogs estadounidenses: el peligro de extinción que están enfrentando los críticos de cine en ese país. Es cierto, los tótems de la crítica filmica americana -Andrew Sarris, Stanley Kauffman, Roger Ebert- siguen trabajando, y algunos cinecríticos mucho más jóvenes -Anthony Lane, Nick Schager, David Edelstein- empiezan a despuntar, pero la queja generalizada es que la crítica de cine está siendo desplazada de manera cada vez más clara. No hay críticos de planta más que en algunos diarios y revistas de prestigio y los demás son free-lance que escriben por aquí y por allá, sin tener mucha influencia en el público o la industria.

Desde México, veo con ternura tales preocupaciones: en nuestro país los críticos de cine siempre hemos estado en vías de extinción. O, por lo menos desde hace 20 años, cuando empecé a escribir en la prensa.

Un bien escrito texto sobre el tema, aquí. Y una reflexión sobre lo mismo, aca. Por cierto, esta última liga pertenece al excinecrítico de Premiere Glenn Kenny, que hace unas semanas abrió su propio blog.

lunes, 9 de junio de 2008

Sé lo que viste el fin de semana pasado.../XXXVII


A decir verdad, sé más bien poco. Nomás revisé dos películas este fin de semana y las más marginales/marginadas. A lo mejor en otro momento veo Sex and the City y No Te Metas con Zohan. O a lo mejor no.

Intriga en Manhattan (Adrift in Manhattan, EU, 2007), de Alfredo De Villa. El título parece indicar un thriller urbano, pero nada de eso: se trata de un bien hechecito melodrama de vidas cruzadas en la gran ciudad. Un joven e inarticulado fotógrafo (Victor Rasuk) sigue a una deprimida oftalmóloga (Heather Graham) que, a su vez, atiende a un anciano pintor solitario (Dominic Chianese) que se está quedando ciego. El viejo, por cierto, es vecino también del fotógrafo. No hay nada de extraordinario en todo ello –el ejercicio tiene un poco de Altman, algo de Paul Thomas Anderson- pero De Villa es un realizador de capacidades y sensibilidad. Este es el tercer largometraje del director –que nació en Puebla, pero vive desde los 17 años en Estados Unidos-, quien acaba de ser contratado por Spielberg para dirigir una comedia que servirá como vehículo de lucimiento de Christina Aguilera. No sé si esto es un paso adelante para De Villa, aunque supongo que económicamente si lo será. Espero extenderme un poco más sobre esta cinta en Cinevertigo.

Persépolis (Ídem, EU-Francia, 2007), de Vincent Paronnaud y Marjane Satrapi. La película de la semana y, probablemente, del mes: un sofisticado (estética y dramáticamente) largometraje animado a la antigüita (es decir, a través de celdas de animación) en la que la escritora y cineasta Satrapi nos cuenta su infancia, adolescencia y primera juventud mientras su país cambia (cae el Sha), se tambalea (llega la guerra Irán-Irak) y se estanca (bajo los gobiernos fundamentalistas islámicos). Mientras todo esto sucede, Marjane (voz de Chiara Mastroianni) tiene que crecer y madurar. Mi reseña en REFORMA.

domingo, 8 de junio de 2008

The Key to Reserva


En realidad, no es ninguna novedad. Supe de este corto publicitario a fines del año pasado, pero no le puse demasiada atención. Pero este fin de semana he estado trabajando con un artículo acerca del cine que se puede ver y bajar legalmente en la red y recordé este encargo que le hizo la compañía vitivinícola española Freixenet a Martin Scorsese. Así que busqué el corto en el sitio diseñado para promover tanto el filme como la botella de Carta Nevada Reserva, que viene siendo el McGuffin de la cinta.
El corto es una pequeña maravilla: un pastiche hitchcockiano hecho con amor, humor y un ingenio dignos de Hitch, dignos de Marty. En mi opinión, una mejor película, de lejos, que El Aviador (2006). Las referencias hitchcokianas son muy simples de identicar. Ah, claro, el corto se puede ver aquí.

Cine en televisión para el domingo 8 de junio


VOLVER AL FUTURO (Back to the Future, EU, 1985), de Robert Zemeckis. El cuarto largometraje de Zemeckis no sólo ha sido, hasta el momento, su filme más logrado sino que se convirtió, casi de inmediato, en una de las cintas emblemáticas de los años 80. Se trata de una vertiginosa comedia juvenil de ciencia ficción en la que un adolescente ochentero muy seguro de sí mismo, Marty McFly (Michael J. Fox en su actuación definitiva), viaja por accidente hacia el pasado, de su 1985 al 1955 de sus padres y, sin quererlo, pone en peligro su propia existencia. Su tarea será doble: por un lado, volver a 1985 con la ayuda del científico loco Emmet Brown (Christopher Lloyd); y, por la otra, hacer que su papá (Crispin Glover) y su mamá (Lea Thompson) adolescentes se conozcan y se enamoren, para que pueda él nacer en el futuro, que es de donde ha llegado. Pocos desenlaces tan graciosos y emocionantes como el de esta película.

Cinecanal; domingo 8, 14:05 horas (señal este) y 16:05 horas (señal oeste), tiempo del centro de México.

sábado, 7 de junio de 2008

Cine en televisión para el sábado 7 de junio


UNA MIRADA A LA OSCURIDAD (A Scanner Darkly, EU, 2006), de Richard Linklater. Sobre una novela de Philip K. Dick, Linklater nos ubica en una sociedad futura en la que se usa una avanzada tecnología de espionaje para (dizque) combatir el crimen organizado. El protagonista (Keanu Reeves) es un desencantado policía que, encubierto, forma parte de un grupo de consumidores y distribuidores de drogas. Linklater logra que la interminable verborrea que escupen todos los personajes tenga un sentido a la vez desorientador y esclarecedor, aprovecha al máximo su reparto ad-hoc (las sobreactuaciones de Robert Downey Jr. y Woody Harrelson, la típica subactuación de Reeves) y usa la animación rotoscópica realizada sobre los actores -al estilo de su extravagancia filosófica Despertando a la Vida (2001)- no para crear un "bravo nuevo mundo" visual, sino para subrayar la distorsionada realidad en la que vive dividido, el policía/junkie Reeves. Criminalmente, nunca estrenada comercialmente en México.

HBO; sábado 7, 18:15 horas (señal este) y 20:15 horas (señal oeste), tiempo del centro de México.

viernes, 6 de junio de 2008

Lee vs. Eastwood (ooootra vez)


Hace años Spike Lee criticó a Clint Eastwood porque el antiguo Harry Callahan hizo una película sobre el jazzista Charlie "Bird" Parker (la extraordinaria Bird/1988) siendo él -Clint, se entiende- más blanco que la leche. También dijo algo similar sobre Alrededor de la Medianoche (1986) dirigida por otro blanco -y además francés: Bertrand Tavernier- que trata de otro jazzista negro viviendo en Europa. Y también ha criticado a Woody Allen porque en sus películas nunca han salido negros en papeles importantes (en realidad, en Los Enredos de Harry/1997 aparece una negraza inolvidable... aunque su personajes es una prostituta, eso sí).

Tavernier y Allen dejaron pasar las críticas en su momento, pero el viejo Harry "el Sucio" se hartó. Ahora Lee critica a Eastwood porque en su díptico sobre Iwo Jima (La Conquista del Honor y Cartas desde Iwo Jima, ambas de 2007) no aparece ningún soldado negro. Clint le ha mandado decir que mejor se calle la boca. La nota completa, aquí abajo, de la agencia EFE y publicada en La Vanguardia.


"El veterano actor y director estadounidense Clint Eastwood le ha dicho a su colega Spike Lee que 'cierre la boca' después de que éste le criticara por no incluir a un solo soldado negro en dos últimos filmes patrióticos...

En una entrevista con el diario británico The Guardian, Eastwood justifica su elección de actores sólo blancos para ambos filmes y explica que ninguno de los soldados negros que participaron en aquella batalla izaron la bandera en el monte Suribachi, gesta inmortalizada en una famosa imagen.

Spike Lee criticó a su colega en el reciente festival cinematográfico de Cannes mientras promocionaba su propia película Miracle at St Anna en torno a los integrantes de una división norteamericana integrada por negros que combatió en Italia en la Segunda Guerra Mundial. 'Clint Eastwood ha hecho dos películas sobre Iwo Jima que duran más de cuatro horas en total y en las que no sale un solo actor negro. Si ustedes los reporteros tuvieran huevos, le preguntarían por qué es así', dijo entonces Lee.

En la entrevista con el periódico británico, Eastwood se refiere a su nueva película, titulada Changeling, ambientada en Los Ángeles durante la Gran Depresión, antes de que en la ciudad viviesen tantos afroamericanos como ahora y en la que consecuentemente utilizó sólo a actores blancos. '¿Qué quiere que haga? ¿Acaso un anuncio publicitario en pro de la igualdad de oportunidades? Yo no juego a eso, sino que hago una lectura histórica. Cuando hago una película que es un 90 por ciento de negros como Bird (sobre el gran músico de jazz Charlie Parker), utilizo a un 90 por ciento de negros', explica. 'Cuando hice aquella película (Bird, en 1988), (Spike Lee) se quejó porque la rodara un blanco. Pero si la hice fue porque nadie más la había hecho. Así de simple. Él podía habérseme adelantado, pero no. Estaba haciendo otra cosa', critica el cineasta.

El próximo proyecto de Eastwood, titulado The Human Factor... tratará de cómo el primer presidente negro de Suráfrica aprovechó la victoria de su país en la Copa del Mundo de rugby en 1996 para fomentar la unidad nacional. 'No voy a convertir a Nelson Mandela en un blanco', explica entre risas el creador del personaje de Harry 'el Sucio'."

Moving Image Source


Otro sitio en la red para leer sobre buen cine: Moving Image Source, editado por el excinecrítico del Village Voice, Dennis Lim. El site acaba de ser abierto con las colaboraciones de Jonathan Rosenbaum y Michael Atkinson, entre otros historiadores/críticos/curadores/ensayistas. En esta primera entrega hay que revisar lo que escribe Atkinson sobre Werner Herzog y un buen texto de Dan Sallit acerca de la última etapa creativa del gran Howard Hawks. Los textos, además, están acompañados de ligas a otros artículos de los mismos autores o de otros críticos e historiadores también disponibles en la Internet... El cuento de nunca acabar cuando uno empieza a estudiar el cine.

Cine de mayo


Finalmente nos emparejamos. La película de la última semana de mayo resultó ser Tropa de Elite (Padilha, 2007), con el debut de Gael detrás de las cámaras (Déficit, 2007) en segundo lugar. Ahora resta votar por una de las cuatro películas ganadoras de las encuestas semanales de mayo: Meteoro, la secuela de Las Crónicas de Narnia, la tardía continuación indianajonesca y la ya mencionada Tropa de Élite. Como siempre, la encuesta está aquí, a la derecha. Ahí mero.

jueves, 5 de junio de 2008

Del odio al amor, un paso... y nueve películas juntos


El inglés Sidney Greenstreet (1879-1954) y el autro-húngaro Peter Lorre (1904-1964) aparecieron juntos en nueve películas -las más famosas, El Halcón Maltés (Huston, 1941) y Casablanca (Curtiz, 1942), en la foto, en la filmación de The Verdict (1946), bajo la dirección de Don Siegel, que aparece entre ellos- y en todas y cada una de ellas tuvieron problemas en el set. Greenstreet era un actor serio, concentrado, llegaba a la filmación con sus líneas aprendidas y se molestaba profundamente con las improvisaciones. Lorre era todo lo contrario: gustaba de hacer bromas, era muy inestable -sus problemas de adicción fueron legendarios- y, según dicen varias anécdotas, llegaba al trabajo preguntando no sólo qué escena se iba a filmar sino cuál era la película que estaban haciendo.

Nunca se notaron este tipo de problemas en las nueve cintas que Greenstrett y Lorre filmaron juntos y el actor centroeuropeo de M, el Vampiro de Düsseldorf (Lang, 1931) dijo alguna vez de su camarada inglés lo siguiente: "Greenstreet was not only one of the nicest men and gentlemen that I’ve ever known in my life, I think he was one of the truly great, great actors of our time". Claro que hubiera estado bien que, además, se hubiera aprendido sus líneas cuando fuera a trabajar con el amable gordazo de Greenstreet.

martes, 3 de junio de 2008

Cine de abril


Ya nos acercamos al presente con estas encuestas de los filmes de cada mes. De hecho, en abril iniciamos preguntando a los lectores de este blog cuál era la cinta de cada semana y las primeras películas ganadoras fueron La Sangre Iluminada (cartelera del viernes 25) y la exitosa Iron Man (cartelera del miércoles 30). En los tres fines de semana anteriores hubo estrenos interesantes, como se podrá ver en la lista que está aquí, a la derecha. Como de costumbre, la encuesta estará abierta una semana.

lunes, 2 de junio de 2008

Sé lo que viste el fin de semana pasado.../XXXVI


Tropa de Elite (Ídem, Brasil, 2007), de José Padilha. Vista en Guadalajara 2008 y programada en el pasado 28 Foro de la Cineteca, se estrena por fin comercialmente la ganadora del Oso de Oro en Berlín 2008. Se trata de una discutible y discutida cinta sobre el narcotráfico en Río de Janeiro a fines de los 90 en la que Padilha no glamouriza nunca el crimen ni sus efectos. Aquí no hay nadie inocente: no los narcos que se han apoderado de barrios enteros, pero tampoco los policías que están lejos de ser héroes impolutos ni, mucho menos, la hipócrita sociedad acomodada que se desgarra las vestiduras por la violencia callejera o por la brutalidad policial, pero no deja de consumir su droga “recreativa”. Mi reseña fue publicada en el Primera Fila de REFORMA el pasado 9 de mayo.

Una Dama sin Pudor (Irina Palm, GB-Francia-Luxemburgo-Alemania-Bélgica, 2007), de Sam Garbarski. En lo personal, creo que estamos ante una oportunidad perdida… aunque no por completo. Una seria abuelita (la sexagenaria rockera Marianne Faithfull) se transforma en la Irina Palm del título, una misteriosa pero experta masturbadora en un sex-shop del Soho londinense, todo con el fin de conseguir la suficiente lana para pagar un tratamiento médico a su gravísimo nietecito. Aunque en su última parte la cinta se desbarranca hacia el melodrama más histérico, esta comedia flemática -en la que son especialistas los ingleses- se sostiene gracias a Faifhfull y el buen actor yugoslavo Miki Manojlovic. Mi reseña en REFORMA.

Locura de Amor en Las Vegas (What Happens in Vegas…, EU, 2008), de Tom Vaughan. Otra para la lista de fin de año con el mote de “Your Movie Sucks!”. Se trata de una torpísima remarriage comedy que es incapaz de hilar dos buenos chistes o tres gags decentes en sus 99 minutos de duración. En cierto momento de la cinta, un juez interpretado por Dennis Miller les dice a los dos protagonistas de este bodrio (Cameron Díaz y Ashton Kutcher) -que se casaron en Las Vegas borrachos y que ahora quieren divorciarse-: “ustedes no me caen bien”. A nosotros tampoco. Mi reseña en REFORMA.

domingo, 1 de junio de 2008

Confesiones Verdaderas/XIV


"I was always [creative] as a kid—maybe because I had polio and was quarantined from other kids, plus my father moved a lot so I never really had friends. But when I was 17 or 18 I suddenly came a little bit into my own in the drama department in high school. I used to work as a drama counselor… in some camps in upstate New York. And I’d do the plays with the six and seven year olds, and at the end of the year I’d do plays with all the different camps combined. And I always loved being with children, and I think I was a really good counselor. I had a bunk with nine little boys, and I’d read them books and go on treasure hunts and just have a fun time...

I was married and had kids pretty young, at 23, and by the time I made Godfather, I had three kids. And I just enjoyed my children. It’s always a shock for me to see how old the men are today before they get around to having kids. I had a 20-year-old son (Gian-Carlo) when I was 42. And now his daughter is 21, so I’m in line to someday be a great-grandfather, which is a thrill. My children were always a delight to me, so much so that I always brought them with me, which is something I picked up from my father... So as a rule I always took my family with me, and as a result my kids were all raised around movie sets and are all now in the movie business. I also had many nieces and nephews, and at Napa we’d have them in the summer, and I’d say, 'Awright, this is gonna be one-act play summer.' And everyone would go [mimics] 'Aww, we donwanna do one-act plays, we wanna go fishing, it’s summer.' But little by little, they all did one-act plays. So out of those summers, all these talented kids came. Sofia. Jason Schwartzman. They blossomed out of the experience of doing shows when they were 16, 17. So the young generation being creative seems natural to me...

My parents always went, 'You didn’t do well, you’re never going to amount to anything.' Well when a parent tells that to a kid it’s like God telling them that. We used to tell Sofia, You’re Superwoman, you can do anything!`' And she’s fearless, that girl...".

Francis Ford Coppola en entrevista con Harlan Jacobson, publicada en el número de enero/febrero de 2008 de Film Comment. La versión completa de la entrevista, aquí.